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Criticas próximos estrenos

Abracadabra ****

Buena sátira Pablo Berger arriesga y nos zambulle con estilo en la comedia negra.

Estamos ante una de esas películas que va a poner a prueba el criterio de críticos y espectadores. Porque gustará mucho. O gustará menos. O no gustará nada a algunos. Porque no es la comedia disparatada al uso que podría esperarse parte del personal. Porque tiene unos giros de tono en segundos que siempre te pillan desprevenido, lo cual considero bueno, oportuno, incluso necesario, para remover ideas en el espectador, que imagino es el objetivo prioritario para el director. Y todo eso es lo que la diferencia de otra comedia negra del montón: su capacidad para arriesgar.

Berger le echa mucho valor en este ejercicio y le echa un pulso a las expectativas del público, incluso de sus fieles, sometiéndoles a una especie de viaje que es en su conjunto más cercano a Torremolinos 73 que a Blancanieves, aunque los ecos arrebato visual y provocador salen a la luz como ráfagas en varios momentos.

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Atómica ***

Gran trabajo de Charlize Theron en una de las mejores películas de acción del año.

Trabajando a la sombras de John Wick, ojo, no de John Wick 2, aunque el tono de ésta última le habría venido mucho mejor a sus pretensiones de ser más sofisticada por aquello de que se mueve en el cine de espías, Atómica es una curiosa criatura dentro de la mezcla del cine de acción de nuestros días a la que merece la pena echarle un buen vistazo en el cine de este verano tan repleto de estrenos trepidantes.

Se basa en un cómic, pero sabe defender su naturaleza como producto cinematográfico sin caer en el mimetismo de estrategias de otros lenguajes. Su lenguaje recuerda en muchos casos el de otros largometrajes que han trabajado en la línea argumental de las intrigas de espionaje, constituyéndose como una especie de puzle en el que encontramos piezas de Nikita, de Luc Besson, la serie Alias de J.J. Abrams –dos de sus más señalados precedentes audiovisuales-, pero al mismo tiempo es suficientemente madura como para saber que para lo referido a secuencias de acción no puede vivir solo de éstos, de manera que incorpora claves de la saga de Jason Bourne, sobre todo en las peleas, excepcionalmente bien defendidas por Charlize Theron, y hace su propia reinterpretación en clave femenina y siniestra de la saga de 007, como testimonian las cicatrices de la protagonista y esa escena de apertura de su personaje en la bañera, ejemplo perfecto de anti-Bond muy cercano al arranque de Casino Royale. Añadan a todo lo anterior una reconstrucción de época en el momento de la caída del muro de Berlín defendido sobre todo por el personaje de James McAvoy y Eddie Marsan como “el paquete”, que sirve para incorporar pinceladas del género de espionaje procedentes más bien del excelente canon impuesto para el mismo por las novelas de John le Carré y sus adaptaciones al cine, por ejemplo El topo, El hombre más buscado o Un traidor como los nuestros.

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Diario de Greg: Carretera y Manta **

Sólo para los más pequeños de la casa. Una película que viene de una saga previa y que sirve de reboot a la misma, con los mismos personajes pero un reparto completamente nuevo, debido a que los niños protagonistas de las tres películas anteriores han crecido demasiado. Destacan ahora los nombres de Alicia Silverstone y Tom Everett Scott como los nuevos padres de esta peculiar familia que en el fondo sigue liderada por Greg, el hijo mediano, quien tiene problemas para aceptar algunas de las cosas que el mundo le propone, y al intentar cambiarlas suele causar desastres de proporciones desorbitadas. Aunque el mayor desastre quizá sea esta nueva película, que sólo disfrutarán los más pequeños de la casa.

La saga Diario de Greg no eran grandes películas, pero sí películas familiares, para todo el mundo, con un aire de aventuras y supervivencia al hacerse mayor, al encontrarse de golpe con la adolescencia, enfrentado al cretino de su hermano mayor y a unos padres que nunca parecen entenderle, además de la jungla que supone la escuela. Todo ese humor blanco en gran medida, todo el encanto y toda la simpatía que desprendían las películas originales, sin ser nada del otro mundo, han desaparecido en esta nueva versión en la que destaca el humor que le pone a todo lo que hace Alicia Silverstone, y sus ganas de reírse de sí misma, y Tom Everett Scott. Ellos mantienen a flote a veces la historia, que peca de un humor escatológico que no termina de funcionar.

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Inside ***

Regreso al slasher con un remake de la mano de un director español. Normalmente es habitual que sobre todo con el cine de género, lleguen de otros países para adaptar nuestras historias, o incluso para fichar a nuestros talentos y llevárselos fuera de nuestro país para rodar en Hollywood, por ejemplo. Es el caso de Rec, que fue adaptada en USA, o de directores como J.A. Bayona, por poner sólo dos ejemplos. En esta ocasión nos encontramos con un caso en el que adaptamos nosotros una película extranjera, la francesa A L’Interieur, con Miguel Ángel Vivas como director y Jaume Balagueró echando un cable detrás de las cámaras como guionista y en la producción. Un claro homenaje al cine slasher, con ganas de ser explotado en el mercado internacional.

Buena prueba de ello es el hecho de que la película esté rodada en inglés con dos protagonistas femeninas que no nos resultarán desconocidas. Por un lado Rachel Nichols recién salida de la serie Continuum, y por otro una veterana ya como Laura Harring, que son protagonista y antagonista de esta historia que repite el esquema de la película original, una joven que está embarazada en su tercer trimestre, y que se enfrenta a una mujer que está obsesionada con el niño que lleva en su vientre. A partir de ahí se desarrolla una historia en el interior de una vivienda en gran medida, en la que la protagonista tendrá que usar todo su ingenio para sobrevivir a una implacable asesina que no se detendrá ante nada por conseguir su objetivo.

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La seducción ****

Sofía Coppola filma uno de sus mejores trabajos ampliando el abanico de su estilo.

La primera pregunta que cabía hacerse ante este largometraje era si su directora iba a conseguir darle personalidad propia lejos y alcanzando al menos el mismo nivel que la versión anterior de esta misma novela, de Thomas Culinan, dirigida por Don Siegel en 1971 con Clint Eastwood como protagonista y que en España conocimos con el título de El seductor. Y la respuesta es afirmativa.

Ésta versión, que además de adaptar la novela citada toma como base el guión de adaptación de la misma escrito para la película de Don Siegel por Albert Maltz e Irene Kamp, consigue plenamente ponerse a la altura de su predecesora. Y al mismo tiempo desarrolla su propia personalidad. Es una versión sobradamente distinta del mismo asunto como para poder desarrollarse plenamente con identidad propia. Sofía Coppola ha escrito su versión partiendo de esas dos fuentes, la novela y el guión anterior en lo que a mi parecer es un giro copernicano muy interesante a todo ese material de partida.

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La Torre Oscura **

Floja película de aventuras salvada por su reparto. Y por un buen e interesante arranque que promete mucho más de lo que finalmente desarrolla la película. No, no me he leído las novelas en las que se inspira la película, pero aquí se trata de analizar una película, no el material del que procede, y La Torre Oscura no termina de mantenerse en pie como un ente con personalidad propia. Se convierte en una película que aspiraba a ser mucho más de lo que finalmente es, y que se queda a medio camino. Al final no es completamente horrible, sino mediocre, que es casi peor. Gris, sin alma, levantada a pulso por sus actores, y con muchas buenas ideas que no es capaz de desarrollar.

Algunas por falta de dinero, que se nota en lo limitado del presupuesto, otras por falta de personalidad. La historia se convierte en sus poco más de 90 minutos en un deambular de personajes en direcciones imposibles, con un desarrollo de guión que es poco más que un boceto. El inicio, la historia de este joven que es capaz de discernir lo que hay más allá de nuestra realidad y ver lo que El Hombre de Negro está haciendo para derruir la Torre, es más que interesante. Promete, porque presenta a un joven perturbado, con serios problemas, incapaz de superar la muerte de su padre y sintiendo que no encaja ni pertenece a este mundo. La presencia de Katheryn Winnick como la sufrida madre ayuda.

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Rey Arturo: La Leyenda de Excálibur ***

Buen cine de aventuras y espada y brujería con el sello de Guy Ritchie. Una película que llega tarde, mucho, con varios meses de retraso, pero con un género, el de espada y brujería, que suele funcionar bastante bien en nuestras salas, pero que en esta ocasión además fue maltratada por la crítica americana en su mayoría, algo que realmente no entiendo. Sí comprendo que una película pueda funcionar o no en el mercado, que genere mayor o menor interés entre el público. Pero en esta ocasión no entiendo a mis compañeros de otros medios internacionales. Porque Rey Arturo puede ser muchas cosas, pero una mala película no es. He tenido la ocasión incluso de revisar la película desde que la vi por vez primera hace ya unos meses, y de hecho he apreciado incluso más detalles sobre la misma, cosas que no había identificado la primera vez que vi la película, y algo que en realidad es la clave de lo que podía haber sido una producción sin más. Es una película de Guy Ritchie y lo demuestra en casi cada plano. No sólo ha hecho la película que quería hacer, sino que además le ha dado una vuelta al género al que pertenece.

Por un lado ha sabido aprovechar los elementos fantásticos de la historia, aportando ese tono de espada y brujería que mencionábamos antes y que acerca más la película a una historia de Conan que a una aventura clásica o a películas como Excalibur. Al mismo tiempo tiene claro que es una película de Guy Ritchie y no pierde esa personalidad en casi ningún momento de la película. Por ejemplo en ese montaje en el que vemos a Arturo pasar de su infancia a la madurez, a ritmo de una música que bien podría emplearse en algunas de sus películas con ambientación contemporánea, y que recuerda a Sherlock Holmes, por ejemplo. De hecho, siendo una película algo inferior a las dos adaptaciones de Holmes de Ritchie con Robert Downey Jr y Jude Law de protagonistas, es más cercana al estilo de Ritchie desplegado por ejemplo en Snatch, Cerdos y Diamantes, con esos montajes de historias que se rebobinan, avanzan, prevén el futuro… contadas por los protagonistas. De hecho la escena en la que narran lo que han hecho en el día al guardia negro es una gozada para los fans del director, que además hay que disfrutar en versión original…

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Transformers el último caballero **

Mejor que las dos primeras de la saga, que me entretiene más con Wahlberg de protagonista.

Me ha extrañado la floja calificación y acogida a esta quinta entrega de la saga de Transformers porque no sólo considero que es de las más entretenidas de la saga y claramente inclina mi preferencia en la misma hacia las películas protagonizadas por Mark Wahlberg, sino que además empieza a traslucir que hasta el propio Michael Bay está ya bromeando descaradamente sobre las limitaciones de esta franquicia que tanto dinero le ha dado hasta el momento. A ver, sigue siendo Transformers, y diré una vez más que el propio concepto cinematográfico de Transformers me ha parecido siempre absurdo, porque su traducción del juguete al cómic y a las viñeta del cómic es una cosa, pero en el cine ha sido siempre para mí el sinónimo de la materialización de los principales defectos del cine de blockbuster. Vamos que no soy lo que se diría un entusiasta de la saga. Quizá por eso en esta quinta película he apreciado esa ligera tendencia a reírse de sí misma que tiene, junto con etapas del relato que me llevan a pensar en un capítulo de la serie de animación de Transformers o en los cómics –el prólogo de los mitos artúricos, la persecución entre las ruinas, el amanecer en la chatarrería, todo el personaje de Izabella, el viaje a Inglaterra, el robot mayordomo-ninja, el submarino-, y por ahí me ha resultado más entretenida que las dos primeras entregas. La caza de Transformers me parece una idea entretenida que lamentablemente no se desarrolla más, como la guerra de sexos entre el personaje de Wahlberg y Laura Haddock, o los de Josh Duhamel y Santiago Cabrera. Tal como suele ocurrir en toda la franquicia y en buena parte del cine de Michael Bay, la acción por la acción y el exceso de pirotecnia de efectos visuales acaba por devorar todo lo demás, principalmente arco de desarrollo de personajes y conflictos. Pero al menos aquí, sin aportar nada nuevo ni sobre personajes ni sobre situaciones o trama, principalmente porque ya, de partida, toda la saga está bastante limitada en ambos aspectos como producto cinematográfico, la subtrama de viajes al pasado y la aportación de Anthony Hopkins, junto a la novedad en el paisaje británico y la manera que tiene de asumir sus propias limitaciones, la convierten en una de las películas que más me han gustado de la saga. Eso sí, en el final se le vuelve a ir la mano a Bay con una batalla demasiado larga, se pasa de metraje, cansa montón en el territorio de la acción y el personaje de Mark Wahlberg no avanza en ningún sentido, como tampoco avanzaba prácticamente nada en la primera trilogía el personaje de Shia LaBeouf. Carece de ritmo porque es un mero encadenado de acciones trepidante con muy poco argumento o cosas que contar más allá de la pirotecnia visual y las acciones circenses. Y vuelve cansina en su parte final.

Miguel Juan Payán

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Valerian y la ciudad de los mil planetas ****

Una de las más completas e interesantes propuestas de ciencia ficción de los últimos años.

Luc Besson ha dado en el blanco, y lo demuestra desde los primeros compases visuales y sonoros de su última fábula de ciencia ficción, en los que nos resume en un fundido encadenado acompañado por la música de David Bowie ese futuro que imaginaron los autores del comic en el que se basa esta película, y que también inspiró El quinto elemento, Pierre Christin y Jean-Claude Méziéres. Ese futuro que pudo ser y no fue, optimista, aventurero, intrépido, imprevisible, multicultural, consigue dibujarse en Valerian y la ciudad de los mil planetas como el trampolín de salto hacia la space-opera con claves de intriga y aventuras que rinde homenaje no sólo al cómic en que se basa, sino en general al trabajo con el género de ciencia ficción que han venido haciendo las viñetas del cómic europeo desde los sesenta en adelante, tan diferente y precisamente por ello tan estimulante como alternativa a las propuestas que nos han llegado masivamente desde los Estados Unidos. Propongo al lector de estas líneas que se zambulla para comprobarlo en esa brillante corriente de viñetas europeas degustando clásicos del género como las propias aventuras de Valerian agente espacio-temporal, pero también la saga de la Casta de los Metabarones, de Alejandro Jodorowsky y Juan Giménez, Aníbal 5, de Jodorowsky y Manuel Moro, o Exterminador 17, de Enki Bilal, Las historias de la taberna galáctica de Josep María Beà, 5 por infinito de Esteban Maroto, Ramón Torrents, Adolfo Usero y Suso Peña, Los cuentos de un futuro imperfecto de Alfonso Font, la saga de Yoko Tsuno de Roger Leloup, El Incal, de Moebius, Supernova Víctor Mora y José Bielsa, o la serie Estela, de Jean-David Morvan y Phillippe Bouchet, que en muchos aspectos es tributaria y heredera de las aventuras de Valerian.

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