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Entrevistas

Entrevistas (64)

Entrevista con Sergio Peris-Mencheta que nos habla de Rambo V: su última aventura

En Bulgaria, en pleno rodaje de Rambo 5: Last Blood y entre escena y escena, Sergio nos atiende muy amable y a la vez concentrado sabiendo que está haciendo algo verdaderamente importante.

A Juan Antonio Bayona ya no viene a verle un monstruo, sino un dinosaurio, bueno más bien una auténtica estampida de dinosaurios que se lanzan hacia el espectador al galope buscando coronarse como reyes de la taquilla internacional emulando a sus predecesores en la franquicia de Parque jurásico.

Jurassic World, el reino caído, es la más reciente y la más española de las películas que integran la saga basada en las novelas de Michael Crichton e iniciada con uno de los mayores éxitos comerciales de Steven Spielberg. El director y los dos protagonistas Bryce Dallas Howard y Chris Pratt, se han pasado por Madrid para presentar la película y asistir a una premiere en el WiZink Center a la que también asistieron los productores de la película, Belén Atienza, Colin Trevorrow, Frank Marshall y Patrick Crowley junto a la habitual colección de famosos reclutados para posado en la alfombra roja y rodeados de figuras de dinosaurios a tamaño real construidas con los bricks de LEGO.

El próximo 3 de Abril, AMC estrena The Terror en España. Una de las series más brillantes del año, en su reparto destaca el nombre de Jared Harris, un actor de talento impagable que lidera la serie junto a Tobias Menzies y Ciarán Hinds, y que con su genial sentido del humor y su forma de entender el castellano, nos conquistó a todos. Y además nos contó muchos secretos de la serie a su paso por Madrid.

Este mismo mes, en la revista que acaba de salir al mercado, encontraréis todas las claves narrativas de The Terror, una de las mejores series que vamos a poder ver este año, basada en la novela de Dan Simmons. Tobias Menzies, al que muchos recuerdan por Outlander, es uno de sus protagonistas y estuvo en Madrid para presentar de la mano de AMC, la serie a la audiencia. Una serie de la que nos habló a fondo, y que podréis disfrutar desde el 3 de Abril en la cadena.

Nacido en 1974 en Dorset, Inglaterra, Edgar Wright confirma con su trabajo como director en Baby Driver que es el más original renovador de los géneros cinematográficos por la vía de la hibridación de los mismos. Algo que ya había empezado a demostrar en películas como Zombies Party, Arma Fatal, Scott Pilgrim contra el mundo y Bienvenidos al fin del mundo.

¿Cómo surgió la idea de Baby Driver y su fórmula de musical de acción?
De hecho fue la música lo que inspiró la película. La primera canción que suena en la película la estaba escuchando cuando tenía 21 años y todavía no era director. Y ya entonces no podía parar de imaginarme esta película con esa música a la vez que veía una persecución de coches. Esa fue la semilla que inspiró toda la historia. Luego pensé qué pasaría si esa canción la estuviera escuchando el conductor que está huyendo de un robo. Y si además ese conductor necesita escuchar música constantemente para todo lo que haga en su vida. Así surgió todo. La verdad es que yo también soy muy melómano.

Tal como lo cuenta puede parecer que todo es muy sencillo, pero después de ver la película la percepción que tenemos es que es justo lo contrario: una película muy elaborada, cuidadosamente medida en todos sus aspectos. A la hora de escribir el guión, ¿Siempre tenía ya un tema musical en la cabeza que marcara el montaje?
La verdad es que escribí el guión para la música, fue el proceso contrario. Antes de escribir el guión tenía ya en mente 9 canciones que quería incluir en la película. No sabía muy bien cómo iba a ir la historia, pero las canciones las tenía muy pensadas. Escribía literalmente para la música. Y si en alguna escena no tenía pensado qué canción iba a utilizar para esa escena no terminaba de escribir hasta que había elegido la canción, y luego adaptaba la escena a esa canción. De hecho en el primer borrador ya estaban incluidas las 24 canciones de la película. Es una cosa muy ambiciosa, porque no es nada fácil de hacer. Pero es mi forma de trabajar. Al final la película incluye el 95 por ciento de las canciones que había pensado inicialmente.

¿Cómo eligió el reparto para la película?
La primera vez que envié el guión al estudio para producir la película la pregunta fue: ¿Quién va a interpretar a Baby? Y hace tres años, cuando después de escribir el guión ya había decidido que ésta era la siguiente película que quería hacer, empecé un poco a entrevistar a actores jóvenes para interpretar este papel, y una de las primeras personas que conocí fue a Ansel Elgort, y me encantó desde el principio. Estuvimos una hora entera hablando de música, que para mí es un factor importantísimo. Además tenía la edad perfecta para interpretar el papel, 21 años, es una persona carismática, dinámica, muy melómano, toca en varios instrumentos y como he dicho para mí esto es muy importante. Lo único es que es un poco más alto de lo que yo había imaginado al escribir el guión, pero aparte de eso encajaba perfectamente.

La película es un musical de acción, así que la pregunta es obligada: ¿utilizó coreógrafos para diseñar los números musicales, aunque estos sean persecuciones y tiroteos?
La verdad es que utilizamos un coreógrafo especial durante toda la película, no solamente en las escenas de música sino en todas las de acción, se llama Ryan Heffington, y es absolutamente fantástico. También teníamos que ensayar las escenas en que entran y salen del coche, y es todo como un baile. Era importante tener claro qué música se iba a utilizar y todos los actores habían ensayado todas las escenas con la música que íbamos a utilizar, con lo cual todo el mundo tenía muy claro lo que tenía que hacer. Y escuchaban la música mientras lo hacían. Lo que escuchas en la película ellos lo escuchaban rodando.

¿Cómo consiguió que el estudio aceptara este proyecto con todos esos elementos que está comentando?
No quiero que nadie piense que fue fácil, porque no lo fue en absoluto. Fue bastante complicado. Pero lo bueno es que entendieron desde el principio que este proyecto, sin la música, no valía la pena, porque es el sello absoluto de la película. No hay que quitarle mérito al estudio, porque fueron capaces de entender que era algo completamente distinto y una forma única de contar una historia. Fue clave también ser trasparente en cuanto a lo que era la película y darles toda la información a los productores. Creo que esto ayuda a que todos estemos en la misma página y todo el mundo sepa lo que tiene que hacer. Por desgracia es algo que sucede poco, porque los estudios no suelen financiar proyectos así, únicos, y solamente puedo estar agradecido por esto.

¿Cómo ha sido el trabajo con ese grupo de actores de tanto talento pero que además cada uno de ellos es ya una estrella en sí misma? Y además los veteranos gravitan en torno a un protagonista más joven que tenía que plantarles cara y estar a su mismo nivel.
Es un proceso muy orgánico, pero la premisa inicial es que todos tuvieron una buena acogida del guión y les gustó mucho. Kevin Spacey ya había trabajado con Ansel, y eso ayudó mucho. Y además la hija de Jamie Foxx era muy fan de Ansel, y le gustaba, lo que también ayudó. A Jon Hamm le conocía de antes y realmente fue la única persona que realmente tuve en mente a la hora de escribir el guión.

La música está presente no sólo en la banda sonora, sino en el reparto, aparecen muchos músicos en la película.
Big Boy, Killer Mike, Paul Williams… Me parecía muy divertido introducir a tanta gente de la industria musical en una película que está tan claramente centrada en la música. Incluso también Kevin Spacey y Lily James tienen un pasado musical. En las películas de John Landis él también metía muchos músicos, y me hubiera gustado hacerlo mucho más.

¿Le gustaría que de repente, con el éxito, Baby Driver se convirtiera en franquicia, el comienzo de una trilogía o algo similar?
Podría ser, todo depende de la taquilla, del público.

Ya, pero ¿qué piensa realmente de esa especie de fiebre por las franquicias y las secuelas que está viviendo el cine en nuestros días?
Me parece que está bien si además hay películas originales y distintas. El problema es que creo que no hay suficientes películas más independientes y originales además de las franquicias. Y parece que todo lo bueno y distinto sale en la temporada de premios entre octubre y diciembre y el resto del tiempo lo que podemos ver en el cine son franquicias. No tengo nada en contra de las franquicias porque si están bien hechas son películas muy divertidas. Pero creo que lo importante es que también haya películas originales. Y si lo piensas, cuando salieron Alien o Star Wars también eran películas originales. Se trata de que surjan más ideas nuevas como éstas.

¿Qué puede contarnos de Shadows, la película de animación en la que está trabajando?
He escrito el guión, pero no está claro todavía si la voy a dirigir. Tengo varios proyectos en mente pero todavía no hay nada fijo.

Su filmografía podría dividirse en protagonistas que beben cerveza y gente que escucha música.
¿Qué otra cosa hay en la vida?

Miguel Juan Payán

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Se espera de Gru 3 que sea uno de los grandes titanes de la taquilla este verano, por no decir la reina absoluta en casi todo el mundo. El estreno hace dos años de Los Minions fue un éxito arrollador, demostrando el enorme estado de forma de la franquicia, que llega ahora con la tercera entrega de la historia principal, con nuevos personajes y aventuras. Y para hablarnos de ello, Steve Carell y Kristen Wiig, quienes ponen voz en la versión original a Gru y Lucy, se han pasado por Madrid, con su sentido del humor y muchas cosas que contar sobre el proceso de doblaje, los personajes y lo que supone esta franquicia en sus carreras. En su trabajo como cómicos, ¿les ha influido algo el cine de animación, la comedia en el cine animado? Steve Carell: Los Looney Tunes, seguro. La forma en la que esos animadores y los artistas que ponían la voz, eran capaces de crear un ritmo cómico casi perfecto, y hacerlo en un corto animado, era increíble. Ya es bastante difícil hacerlo en acción real, pero medir el tiempo de la comedia a través de la animación… no soy capaz de imaginarme lo difícil que tenía que ser. Para mí, sin duda, los Looney Tunes.
Kristen Wiig: Para mí también.

Respecto a sus personajes en la película, ¿han hecho algún cambio para que haya novedades, para que no sea una película más? ¿Cómo han contribuido a ello? ¿O estaba todo en el guión?
KW:
Creo que la mayoría de cambios vienen a través del guión, las voces creo que siguen sonando igual, pero los personajes están en un momento distinto de sus vidas, pero la verdad es que confiamos plenamente en el guión y en la animación (risas). Muchas veces sentimos que tenemos el trabajo más fácil.

En esa misma línea… ¿qué posibilidad tienen de improvisar durante el doblaje, teniendo en cuenta que se graba antes de que se realice la animación?
SC:
Todo el tiempo, sí. Y creo que es una de las cosas que esperan de nosotros, que seamos capaces de darles muchas opciones, porque realizan la animación en torno a nuestras voces, así que gran parte del guión no está cerrado necesariamente hasta que tengan elegidas las interpretaciones entre aquellas que hemos hecho. Así que intentamos darles tantas alternativas como nos es posible, chistes alternativos… Y creo que ayuda mucho, porque a veces informa de cosas que sucederán más adelante. Además graban en vídeo todo lo que hacemos, así que a veces los animadores emplean nuestras propias expresiones corporales en los personajes, así que de cuando en cuando, estoy viendo lo que han hecho y me veo reflejado en la pantalla (risas), veo mis ojos o algo que hago con la expresión… un tic o algo así… que llega a la pantalla.

¿Ha sido más difícil poner voz a Gru o a Dru? ¿Considera que éste ha sido su trabajo más complicado en doblaje?
SC:
Difícil es un término relativo (risas), porque es tan fácil y tan divertido, y nos dan tanta libertad para probar cualquier cosa… Ninguno de los dos personajes a los que pongo voz tenían demasiados parámetros y muy pocas indicaciones respecto a los acentos, para empezar. Así que es difícil hacerlo mal… Porque no son muy buenos, para empezar, son simplemente bobos (risas). No fue muy difícil, principalmente fue divertido. Grabábamos un personaje durante una mitad, y el otro durante la otra mitad de una sesión de grabación, para mantenerlos separados en mi cabeza… No, no fue complicado.

¿Qué les aporta intervenir en películas de animación? Y en el caso de esta película, ¿cómo se compite con personajes como los Minions?
KW:
No puedes competir con ellos. Ganan siempre (risas).
SC: Siempre… Respecto a la primera pregunta, definitivamente es divertido. Supone un reto también, porque a diferencia de las películas de acción real, toda la interpretación es verbal, y la voz es lo único con lo que puedes contar, así que puedes dar color a todo el dibujo del personaje simplemente con tu voz. Es un reto, es interesante y, al final, es muy gratificante cuando ves el producto terminado.
KW: Esa es la mejor parte.
SC: Lo es, sin duda lo es. Porque al final tú formas parte de un pequeño porcentaje del trabajo, y luego llegan los animadores y lo convierten en algo precioso, y nosotros nos llevamos todo el crédito… (risas).

Se trata de una de las franquicias de animación de mayor éxito de la historia del cine, si no la más exitosa, con su propio spin off sobre los Minions. ¿Creen que la franquicia puede seguir creciendo en otras direcciones con otros proyectos como ése, más allá de Gru?
KW:
No lo sé… Quiero decir que creo que uno de los motivos por los que la gente disfruta tanto de estas películas es porque los personajes están todos juntos… Y a mí me gusta cuando estamos todos juntos.

¿Suelen asistir a proyecciones para niños? ¿Qué les parece su reacción? El humor de los niños muchas veces no tiene nada que ver con el de los adultos…
KW:
Sí. Es lo que hace que todo el trabajo merezca la pena. Hace no mucho estuvimos en una premier con niños y estuvieron toda la película partiéndose de risa. Cuando miras alrededor y ves a todos esos niños riéndose… Se estaban riendo con ganas… Y ser parte de eso, es algo tan divertido de observar… te hace sentir muy bien.
SC: Me han contado que ha habido otra proyección recientemente con niños, donde 20 minutos antes de comenzar la proyección, los niños empezaron a gritar “Banana” (risas), y algunos de los adultos no entendían que pasaba mientras los niños gritaban “¡Bananaaa!”. Es genial.

¿Hay algún momento que recuerden especialmente de la grabación de esta película?
KW:
Es un proceso bastante… técnico. No estamos juntos mientras grabamos… así que no hay tantas anécdotas.
SC: Es interesante porque definitivamente hay varias tomas falsas para adultos, con categoría R, que nunca verán la luz ni serán un extra en el DVD (risas), y nadie las escuchará jamás, sólo los directores y guionistas presentes. Pero después de una sesión de 5 horas, el personaje descarrila de vez en cuando. Puede valer eso… (risas).

¿De dónde saca Lucy, el personaje de Kristen, la energía para ser el motor de la acción y ser siempre un personaje optimista?
KW:
Te diría que el 99,9% de las veces que grabo mi primera toma como Lucy, me dicen que lo intentemos de nuevo pero con más energía (risas). Porque lo leo y creo que estoy poniendo mucha energía, pero no es bastante para el nivel de Lucy y siempre tienen que recordarme que a ella le gusta absolutamente todo. Y mucho. Sí, tiene mucha energía. Uno de los temas de la película es la concienciación entre familia y trabajo, y cómo Gru intenta mantener a las niñas en la realidad. ¿Cómo se transmite eso con la voz?
SC: Es como cualquier otro personaje que interpreta un actor. Hay momentos de mayor ternura y otros de mayor tristeza, no es igual todo, todo el tiempo, e intentas modularlo basándote en las circunstancias que rodean al personaje.

Jesús Usero

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El primer monstruo de la franquicia Dark Universe es mujer. Sofía Boutella, nacida en Argelia y criada en Francia, se pasó un buen rato en la silla del maquillaje en sesiones cortas de cuatro horas y largas de hasta seis horas para convertirse para interpretar a Ahmanet en La Momia.

Normalmente se hacen una o dos pruebas de pantalla con maquillajes y prótesis como las que luce Sofía Boutella para ejercer como la nueva Momia del cine junto a Tom Cruise, pero para esta película y tras todas esas horas de maquillaje, la actriz tuvo que pasar 24 pruebas de pantalla, lo que da una idea de la minuciosidad con la que se ha construido su personaje en todos los aspectos.

¿Por qué cree que nos fascina tanto la civilización egipcia y sus momias?
La egipcia es una civilización única y fascinante. Era gente muy fuerte, que hacía mucho ruido, tenían mucho carisma, y querían parecerse a sus dioses y se comportaban casi como dioses. Toda su cultura era una preparación para la muerte. Y una mezcla de todo eso es lo que nos fascina de ellos. En cuanto a las momias, son fascinantes. No solo los egipcios tenían momias, también los incas y los aztecas, pero si vas al Museo Británico y ves una momia te pones a pensar, tiene cinco mil años y todavía se puede ver la expresión del rostro, y luego empieza la imaginación, piensas que parpadea, o que se mueve.

Usted tiene formación como bailarina. ¿Ha invertido de algún modo esa formación en la interpretación de este personaje, a modo de coreografía de la Momia?
Sobre todo mi entrenamiento me ha ayudado mucho en las secuencias de lucha con los palos. Ahí pude usar mucho todo lo que había aprendido. Pero lo que he aprendido sobre todo de mi entrenamiento como bailarina es la disciplina que aplico a toda mi vida diaria. También me ha ayudado a estudiar y observar mucho el lenguaje corporal, y cuando estaba documentándome sobre el personaje, leyendo sobre los faraones me di cuenta de que tenían su propia forma de moverse. No andaban deprisa. Tenían una determinada manera de poner la cabeza. No tenían que levantar la voz, porque la gente ya les escuchaba. Por todo eso mi formación que ayudaba más que en las secuencias de lucha o acción.

Usted afirma que en el fondo su personaje no es tan terrible.
No. Incluso es bonita. Quizá es que sólo está en un mal momento del mes. He visto muchos de los monstruos en la serie original de La Momia, y lo que me parece es que los monstruos son metáforas para cosas que pueden ocurrir en la vida real, porque a veces nosotros mismos nos sentimos como monstruos en la vida real, somos muy viscerales y seríamos capaces de cualquier cosa. En el caso de Ahmanet ella sufre una decepción profunda y sufre el rechazo de su padre cuando éste le da la espalda porque tiene un heredero varón. Y luego, cuando invoca a los dioses para vengarse, eso la lleva un paso más adelante hacia el mal y ya no hay marcha atrás. Pero en realidad ella actuó así básicamente porque tenía el corazón roto, porque le prometieron algo y luego se lo quitaron. Su reacción la convirtió en lo que vemos, pero siempre tiene ese lado humano.

Su Momia es el primer monstruo de la franquicia Dark Universe, y es una mujer. Habitualmente los monstruos de este tipo de películas suelen ser masculinos.
Las cosa van cambiando, y en general ahora estamos viendo más papeles en el cine con mujeres fuertes y con poder, aunque estas mujeres siempre han existido. Es normal que también empecemos a ver más mujeres interpretando a estos “monstruos”, entre comillas. ¿Por qué han sido siempre interpretados como hombres? En realidad una mujer es mucho más peligrosa. Si enfadas a una mujer vas a sufrir las consecuencias, especialmente si la pillas en cierto momento del mes. Estoy muy orgullo de haber tenido este papel y ser una de las primeras “monstruas”. Fue una idea del director, Alex Kurtzman, y le estoy muy agradecida. También el personaje de Annabelle Wallis en la película es una mujer fuerte. Las dos mujeres del reparto no son víctimas. No son débiles. Y eso me parece muy bien. ¿Por qué un personaje femenino no puede ser terco o rebelde? Las mujeres también son así. Los personajes femeninos no pueden ser bidimensionales, tienen que ser también así. Además en la película tenemos estas dos mujeres que son como el día y la noche. Jenny no es perfecta, va por el mundo, tiene sus ideas, quiere hacer ciertas cosas. Es humana. Y Ahmanet, al principio ella empezó normal, pero fue decepcionada y reaccionó así. Estos personajes tienen que ser así.

¿Cuál es su experiencia como espectadora con este tipo de películas de terror?
Antes de rodar la película conocía todas las películas de la serie de Universal. Había visto La momia de Boris Karloff cuando era adolescente porque mi padre nos ponía esas películas. Y luego, cuando me dieron el papel, quise volver a ver lo que había hecho Boris Karloff con el personaje ochenta años antes porque recordaba que había una cierta sutileza, una belleza en la manera en que Boris Karloff construyó el personaje. Y también romanticismo. Así que volví a verla. También estudié bastante sobre Egipto, sobre la civilización, para aprender sobre la vida de los faraones, su forma de ser, porque era consciente de que estaba interpretando a otro tipo de momia. Una mujer fuerte, que se sentía decepcionada. Que ya se consideraba faraona pero le robaron ese protagonismo. Son cosas que quería incorporar al personaje.

Miguel Juan Payán

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Annabelle Wallis es una arqueóloga especializada en perseguir monstruos en La momia, dirigida por Alex Kurtzman. La película es el arranque de la multifranquicia Dark Universe protagonizada por las criaturas terroríficas del estudio Universal que protagoniza con Tom Cruise, Russell Crowe y Sofía Boutella.

Sobrina del gran Richard Harris, nacida en Oxford pero con la infancia pasada en Portugal, Annabelle Wallis ha sido una presencia destacada en series como Los Tudor y Peaky Blinders, protagonizó el primer spinoff de Expediente Warren, Annabelle, y pronto la veremos acompañando a Charlie Hunnam en Rey Arturo: la leyenda de Excalibur. En La momia es Jenny Halsey, una intrépida arqueóloga habituada a tratar con reliquias y amenazas sobrenaturales que ayuda a Tom Cruise a sobrevivir a su trepidante encuentro con el Ahmanet, la vengativa princesa egipcia interpretada por Sofía Boutella.

Esta nueva versión de La momia cambia los papeles entre personajes masculinos y femeninos. Normalmente en este tipo de películas son las mujeres las que ejercen de víctimas amenazas y los hombres los héroes que las rescatan, pero en esta ocasión lo que se traduce es que es su personaje, Jenny, el que tiene casi que rescatar o ayudar al de Tom Cruise, amenazado por la momia.
Creo que vivimos en un momento muy excitante en el que las mujeres y los hombres las vemos en igualdad de condiciones en la pantalla. Creo que esto responde a una hambre, una sed que tienen los espectadores de ver personajes femeninos potentes, como lo son las mujeres, fuertes e independientes. Es simplemente un reflejo del momento en el que vivimos y es muy emocionante. Y la película refleja eso. Un aspecto que me encanta de esta película es que tanto hombres como mujeres evitan caer en estereotipos. Simplemente cada personaje obedece a sí mismo, a su razón de ser, a su sentido, y son completos en sí mismos. Creo que en esta película y en el cine hay espacio para que las mujeres también sean los héroes, y viceversa, en su acepción más clásica. Lo que es emocionante en la película, lo que quieren los espectadores y el mundo en el que vivimos es que nada es blanco o negro, sino que hay muchas tonalidades de gris, mucha confusión en esas dinámicas, en esas relaciones interpersonales entre los personajes. En ese sentido la película no da al espectador lo que espera, sino algo distinto, algo diferente. Hay un misterio sin resolver y dinámicas que todavía tienen que desarrollarse, que están por ver.

Teniendo eso en cuenta, si usted es la culta y la heroína, y Tom Cruise está amenazado por la Momia, ¿Cómo afecta eso al protagonismo en la película?
Esa pregunta me puede meter en un terreno peligroso (risas). Yo diría que realmente todos son personajes fuertes. Cada uno en su terreno, en su ámbito, Tom, Russell (Crowe) también con su personaje. Pero me gustaría creer que Jenny, en su cabeza, piensa que ella es la que lleva el mando. Pero no sé si será así en realidad o no.

La película incluye muchas secuencias de acción para su personaje. ¿Ha sido muy exigente desde el punto de vista físico?
Hice todas mis secuencias de acción yo. Era un firme convicción que tuve desde que acepté el papel. Lo quería hacer yo. Y qué mejor manera de iniciarme en el cine de acción que con Tom Cruise, que es enorme en las escenas de acción y persecución y se le conoce precisamente por eso. Corre mucho, a qué velocidad y cómo corre. Es muy minucioso en eso. Yo le decía que iba a hacer las secuencias de acción, que quería correr con él en las escenas, y él al principio no lo tenía claro, pero yo insistí en que iba a entrenar con una corredora y lo iba a hacer muy bien. Pero él seguía negándose. Al final, como entrenábamos juntos todas las mañanas, comenzábamos la jornada en el gimnasio, yo llegaba antes y cuando llegaba Tom yo ya estaba haciendo mis sprint, dándolo todo, así que se quedó boquiabierto y dijo: venga, sí, eres buena corredora, vamos a correr juntos, y metió muchas más escenas en las que teníamos que correr los dos. Fue como mi momento Oscar a la mejor revelación cuando Tom Cruise me dijo: “¡Sí, correrás a mi lado!” Luego las escenas de gravedad cero en el avión fueron muy difíciles de rodar porque primero teníamos que subir a 20.000 pies de altura, luego ponían el avión en vertical, volvíamos a bajar y así lo hicimos 64 veces. La presión sobre el cuerpo es increíble, y lo que es muy extremo es salir y entrar, estar a cero gravedad y luego volver es muy extremo para el cuerpo. Además desconocíamos por completo cómo sería, porque nunca lo habíamos hecho ninguno de nosotros, así que era hacer la escena un poco a ciegas. Pero salimos de ello. Se conoce como “the vomit coming”. Todos se enferman, te mareas, vomitas, y gran parte del equipo de resintió y hubo bajas por eso. También fueron muy duras las escenas en el agua, en la piscina, porque es un elemento que no controlas, y cuando eres como yo, que me gusta controlarlo todo, era duro. Era mucha presión sobre Tom, porque ya le dije que si me pasaba algo mi madre iba a estar muy enfadada con él.

Esta película tiene detrás todo un legado de títulos dedicados a los grandes monstruos del terror de Universal. ¿Cuál es su monstruo favorito dentro de ese legado?
Depende de cómo me sienta en cada momento, pero hoy día diría Drácula, por ese peligro que intoxica, esa oscuridad que nos atrapa. Todas las leyendas son cíclicas, y creo que eso se produce porque los personajes son imperfectos como nosotros, con sus luces y sus sombras, sus defectos, y por el conflicto moral que representan esas historias y esos personajes y que nos llaman. Por eso volvemos a ellos una y otra vez, porque somos nosotros mismos. Es como somos. Esas fuerzas opuestas. Esos polos opuestos, luces y sombras, el bien y el mal, sea por presiones sociales, políticas o religiosas, representan elementos mágicos de nuestra sociedad y como somos. Por eso vuelven estas historias y estos monstruos. Desde la perspectiva del estudio y de Alex (Kurtzman) y de Tom (Cruise), querían volver a imaginar estas historias para un contexto actual, para los espectadores actuales, haciendo de esta historia un clásico moderno.

Se pretende que esta película sea el comienzo de una franquicia protagonizada por los monstruos del terror de Universal. En la misma, y sin hacer spoiler, ¿qué papel podría tener su personaje? ¿Cómo ve, como actriz, esa especie de compromiso con una franquicia para varios años?
Bueno todos los que participamos en esta película sabíamos que esa posibilidad existía. Sabíamos que estábamos empezando algo nuevo y de hecho se ha hecho más grande que cuando comenzamos. Ya está Javier Bardem sobre la mesa con Frankenstein, ya está Johnny Depp… Actores de este calibre convierten el proyecto en algo impresionante. Sin desvelar nada, mi personaje plantea muchas preguntas. ¿Quién es en realidad? ¿Por qué persigue a estos monstruos? ¿Cuáles son sus objetivos? Esas cuestiones sin resolver son las que van a impulsar el futuro de la saga. Como actriz, cuando un producto es bueno, quieres hacer más. Es lo más natural. Pero es cierto que con este concepto de las franquicias te arriesgas más, porque tienes que pensar que potencialmente esta podría ser una relación larga, duradera, que podrían ser años de tu carrera. Es una decisión difícil de tomar por el compromiso que conlleva, así que tienes que asegurarte de que quieres seguir trabajando en ello. Y en el mundo de las franquicias, este es el tipo de franquicia del que quiero formar parte.

Miguel Juan Payán

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Quedan apenas unos días para que por fin llegue a nosotros Horizon: Zero Dawn, el nuevo juego de acción y aventuras en mundo abierto de Guerrilla Games, los responsables de Killzone, que saldrá en exclusiva para PS4, la consola de Sony, y que promete ser una de las apuestas más interesantes del año, además de uno de los juegos más esperados de la temporada que calienta motores. Al frente del juego encontramos a Aloy, la joven protagonista, viviendo una gran aventura en un mundo postapocalíptico donde los humanos han vuelto a una organización más sencilla y donde las máquinas han evolucionado convirtiéndose en una serie de seres de aspecto animal que son quienes realmente reinan en el planeta. Aloy es una marginada en una sociedad tribal, que debe buscar su lugar en el mundo y a la que pone voz ni más ni menos que Michelle Jenner en su versión española. Acudimos al estudio de doblaje donde la actriz ha trabajado en esta peculiar aventura y donde ella misma nos contó algunos jugosos detalles sobre el proceso de doblaje y sobre el juego en sí. Todo el mundo conoce la carrera de la actriz tanto en cine, televisión o doblaje, aunque es menos conocido que también ha participado en el doblaje de los juegos de la saga Harry Potter (es la voz habitual en nuestro país de Emma Watson) o del juego Heavy Rain, así que nos ha podido hablar de las diferencias entre ambos trabajos “En realidad la diferencia entre ambos es más técnica, porque cuando estás doblando un videojuego no tienes muchas imágenes. En una serie o película estás viendo lo que doblas, aquí trabajamos con los archivos de audio originales del doblaje en inglés, con alguna imagen, pero pocas, y sobre todo con todos los datos que tenemos del personaje, su carácter…”. Han sido más de 80 horas de doblaje para el juego y para dar vida a Aloy, teniendo en cuenta que además, con estas peculiaridades de poner voz a un juego, la confianza en el equipo y el director, Emilio Gallardo “La confianza en el director es todavía mayor. Pero ha ido muy bien. Él tenía muy claro también cómo era el personaje, y ha sido un trabajo de equipo, por supuesto, y de confianza absoluta en lo que él me pedía”. Cuando le preguntamos por el juego, sabiendo que ahora mismo es de las pocas personas que más saben de Horizon: Zero Dawn en nuestro país, habla divertida “Tengo la información… (risas), Aloy es una guerrera y cazadora que ha crecido con una tribu que desde el principio la ha rechazado, por sus orígenes, que son desconocidos para ella. No sabe quiénes son sus padres, y ese es el anhelo que la motiva a lanzarse a esta aventura, a descubrir este mundo que es desconocido para otros, buscando las respuestas que tanto necesita. Es un personaje muy autosuficiente. Por eso se aventura en este mundo postapocalíptico dominado por máquinas que se han vuelto inteligentes pero hostiles, pero donde también se enfrentará a bandidos y otras tribus. Tiene un foco que se encuentra cuando es niña, y que le ayuda a ver cosas en las máquinas que los demás no ven”.

Llega afónico debido al viaje a los múltiples compromisos con la prensa, que no le han dejado descansar la garganta, pero Sam Mendes aparece lleno de energía y con ganas de discutir a fondo sobre Spectre, la nueva película de 007 protagonizada por James Bond. El director, siempre recordado por películas como American Beauty o Camino a la Perdición ha pasado por Madrid y esto es lo que nos ha contado sobre la película y su paso por la franquicia.

Spectre es, según ha dicho usted, su última película como director de James Bond, y tiene un final mucho más cerrado que el resto de la saga. Si le dieran la opción a que fuese la última película de la historia de Bond, ¿diría que sí?
No, claro que no. Quizá la última película en mi parte de la franquicia de Bond, pero no la última de la saga. Lo curioso que es que casi la primera pregunta que me hacen siempre es “¿hará otra?” y sí, me halaga, pero imagínate que estás corriendo una maratón y te quedan los últimos metros y te preguntan si quieres correr otra maratón mañana. No lo quieres ni pensar en ese momento.

¿Si alguien le hubiera dicho hace 15 años que iba a dirigir varias películas de Bond, hubiera pensado que estaba loco?
Sí, sin duda. Me crie con Bond, con la época de Connery y Moore, pero luego le perdí la pista al personaje, pero cuando eligieron a Daniel sí que me interesó como público, pero luego me llevó cinco años hacerme a la idea de dirigir una, así que me habría sorprendido muchísimo que me lo dijesen hace 15 años.

En esta película a Bond le vienen a visitar todos los fantasmas del pasado, un poco como en el Cuento de Navidad de Dickens. ¿Se lo planteó así, la redención final del personaje después de que le visiten los fantasmas?
Eso es muy bueno, me gusta. Si no te importa, voy a usarlo (risas). Bueno, ahora que lo mencionas, siempre fue mi intención (risas). Pero sí es cierto que es un intento deliberado hacer que sintamos que todas las películas que ha hecho Daniel llevan a este momento, que termina aquí. Es deliberada esa sensación de cierre. No quiere decir que él no vaya a hacer otra, eso es completamente decisión suya, pero sí que me gusta esa sensación de cierre.

Como ha dicho esta película intenta unir las anteriores películas de Daniel Craig como Bond, algo que no se había visto en la saga. ¿Cuando llegó a la franquicia ya tenía claro que ésta era la dirección que quería que tomase?
Sí, sí. Cuando hicimos Skyfall nos arriesgamos bastante, con el tema de verlo envejecer, que el personaje diga que está envejeciendo, fallece un personaje importante… Y en esta película contamos la historia de un hombre que ha sido profundamente afectado por la muerte de la mujer a la que amaba, y también de su madre y mentora. Tradicionalmente las películas de Bond han hecho otra cosa, son películas que las puedes ver aisladas, sin relación. Pero debido a que la audiencia respondió tan bien a esa idea personal, a ese pasado, que por eso quise indagar en esa línea. El público podía haber dicho que no, que no le interesaba, pero les gustó, y por eso seguí por ese camino.

En Skyfall tuvo más libertad, pero en esta ocasión ha tenido que lidiar con la continuidad de esa película y de las anteriores de Craig, además del universo Bond como Spectra. ¿Cómo consigue mantener su propia voz?
Pues me ha sorprendido bastante a la hora de incluir todos esos momentos personales, que pudiera funcionar tan bien, por eso hay tantas referencias. Skayfall trata de dos hermanos peleando por el amor de una madre, y en esta caso son dos hermanos peleando por el amor de un padre. La anterior era posterior a Julian Assange, a mí me interesaba mucho el tema, y esta es post Edward Snowden y refleja el tema de Gran Hermano, las cámaras de seguridad, esta vigilancia permanente… Trata también del legado, de la herencia… ¿qué vas a elegir, una mujer, un amor, o tu pasado, tu carrera, tu historia? ¿Qué legado vas a dejar? ¿Qué huella vas a dejar en el mundo? Todo esto son temas muy personales y pude incorporarlos en la película. No es inusual que en una gran franquicia puedas hacer algo que sientas como muy personal. Me siento orgulloso de haberlo llevado a un terreno que me interesa a mí en lo personal. Pero además, esto es lo que me gusta. Cada peinado, cada vestuario, cada línea de diálogo es la que me gustaba a mí, nadie ha interferido, me han dado espacio y han apoyado esa visión mía. Ha sido conmovedor y me siento orgulloso.

Spectre tiene también muchas referencias a anteriores películas de 007. ¿Hubo alguna en particular que le inspirase o a la que quisiera hacer un guiño en particular?
Creo que mucha gente piensa que hace referencia a muchas más películas de las que realmente son. Cuando empecé a hacer Skyfall decidí no ver ninguna película de Bond, así que llevo seis años sin ver películas de Bond. Pero sí que las recuerdo de mi infancia. Recuerdo Vive y Deja Morir, y es verdad que rendimos tributo a esta película al principio de la película, también a Desde Rusia con Amor en la pelea del tren, esas dos sí que fueron conscientes. Pero cuando la gente ve que está en la nieve, piensa que es referencia a La Espía que me Amó, y no, simplemente es una secuencia en los Alpes, no tiene nada que ver. Pero cuando hay 24 películas, la gente dice que se parece a ésta o aquella, y sí, claro, pero es porque Bond ha estado ya en todas partes. Creo que hay parte de homenaje y parte que estará en la imaginación del espectador.

Antes hablaba del legado. ¿Cuál cree que ha sido su legado al pasar por la franquicia?
Eso lo debéis decidir vosotros. Y no intento evitar la pregunta, pero es que es imposible definir desde dentro lo que tú haces. Aprendes mucho, pero desde dentro no puedes tener esa perspectiva. Yo he hecho las películas que me gustaría ver como aficionado, y espero que sirva de aliento para que buenos directores sigan esa estela y que no les preocupe agradar a los demás, sino agradarse a sí mismos y que se arriesguen. No sé si eso sería mi legado, sería bonito que lo fuera.

Jesús Usero

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