El cajón de Lawrence (53)
Crítica de la película Los Cañones de Navarone
Una de las mejores películas de la 2ª Guerra Mundial
Hoy hablamos en el blog de una película bélica sobre la 2ª Guerra Mundial (2ªGM) muy querida por miles de cinéfil@s que recuerdan con cariño este film que ya sólo por su reparto merece la pena verla si aún no la habéis visto, ¿creéis que exagero? Valoradlo vosotros mismos: Gregory Peck, Anthony Quinn, David Niven, Anthony Quayle, un jovencísimo e irreverente Richard Harris y, por supuesto, la poco conocida por aquel entonces Irene Papas, quien gracias a esta película fue descubierta por el público americano.
Estrenada en 1961 y dirigida por J. Lee Thompson, esta película sirvió de antesala para que sólo un año después, en 1962, tres de sus protagonistas tocasen el cielo con dos películas que se convirtieron en obras maestras:
- Gregory Peck por Matar a un Ruiseñor, de Robert Mulligan.
- Anthony Quinn y Anthony Quayle por Lawrence de Arabia, de David Lean.
La película nos sitúa en plena 2ª Guerra Mundial, en un momento en el que los alemanes dominaban el Mediterráneo, defendiéndolo con uñas y dientes desde la isla griega de Navarone donde los alemanes están “más agarrados que una garrapata” (como diría el bueno de Jesse Ventura en Depredador, 1987) gracias a dos enormes cañones que impiden que por mar cualquier barco aliado navegue por el mar Egeo, con lo que los alemanes pretendían forzar a los turcos a aliarse con Alemania en la 2ª GM.
Crítica de la película Collateral
La mejor película de Michael Mann desde Heat
Parecía una noche cualquiera en las que Max (Jamie Fox) llevaba en su taxi a los diferentes pasajeros que requerían sus servicios mientras, por el retrovisor, conoce a sus pasajeros mientras trata de ser el anfitrión perfecto. Sin embargo, hoy es una noche diferente y rápidamente se tuerce cuando Max recoge a un asesino a sueldo, Vincent (Tom Cruise), que lo obliga a conducir, llevándole de encargo en encargo mientras por el retrovisor vamos conociendo poco a poco a ese misterioso asesino a la vez que Max tendrá que hacer algo para evitar que Vicent cumpla todos sus encargos.
Recuperamos en este film al mejor Michael Man, con una apariencia visual que hace que esta película sea la que más se acerca a Heat dentro de toda la filmografía de este director.
Con una trama inicialmente sencilla pero muy bien construida, la película avanza al principio de manera pausada mientras vamos conociendo poco a poco a Max y el sueño que este persigue (montar un negocio de limusinas) mientras cada noche trasporta personas de un punto a otro para conseguir hacer realidad ese sueño.
El crepúsculo de los Superhéroes Marvel
Antes de empezar a hablar de esta película, quiero avisar de que va a haber dos partes: la primera que será la crítica sin spoiler y la segunda con spoilers por doquier, ambas estarán claramente diferenciadas para evitar cualquier susto.
Lo primero, permitidme que haga una breve introducción sobre el procedimiento para montar un puzle que creo que nos ayudará a entender mejor de qué estamos hablando pues Endgame no es una película más al uso, sino la conjunción de un total de 22 películas que se asemejan a esas piezas de un puzle:
- Conocer las dimensiones exactas del puzle para preparar una estructura sólida que sirva de base para poder manipular el puzle durante las diferentes etapas del montaje, aprovechando para clasificar las piezas según si pertenecen al perímetro del puzle y las que no, y estas últimas clasificarlas por colores. (Mapa de las Fases Marvel)
- Empezar a montar el perímetro, los bordes del puzle. (las películas Individuales de Iron Man, Thor, Antman, Capitán América, Doctor Extraño…)
- Una vez cerrado el perímetro, identificaremos zonas del puzle que sean fácilmente atacables o reconocibles sobre las que podamos empezar a crear pequeños núcleos sobre los que poco a poco iremos expandiendo la imagen que vamos generando con ayuda de las diferentes piezas que vamos incorporando a ese núcleo. Esto se hace de manera simultánea con diferentes partes del puzle, empezando a tener una foto clara de lo que queremos conseguir, de nuestro objetivo que en el caso de un puzle no es otra cosa que construir la imagen de la caja. (las tres primeras películas de Vengadores)
- Nos queda la parte más difícil que es conseguir que los diferentes núcleos conecten entre sí y, a su vez, estos núcleos encajen perfectamente con el perímetro que habíamos creado en el inicio. Las prisas de última hora o la falta de detalle pueden provocar que la última pieza que cierra todo el puzle rompa toda la armonía que con tanto esmero hemos intentado crear durante todo el proceso. Esa última pieza, la más importante y a la vez la más peligrosa, es esta película: Endgame.
Crítica de la película El día de mañana
Una de las mejores películas de Emmerich
Antes de entrar a criticar esta película quiero dejar claro una cosa para poder medir justamente esta cinta: el cine de catástrofes no tiene ninguna obra maestra hasta la fecha, tiene películas mejores que otras pero ninguna que sea sobresaliente dentro del género. Digo esto porque la película de la que hablamos hoy, El día de mañana, no es ninguna obra maestra ni tampoco será usada como referencia en ninguna clase sobre cine pero eso no quiere decir que no tenga sus aciertos, que los tiene.
La historia comienza con una conferencia del climatólogo Jack Hall (Dennis Quaid) en las que advierte a sus oyentes de que el cambio climático es una realidad y que puede provocar un cambio brusco del clima de la Tierra que haría peligrar la supervivencia de las distintas especies. Sus agoreras predicciones parecen cumplirse antes de lo esperado y de una manera precipitada, mientras que los líderes políticos desoyen sus advertencias y consejos para evitar una catástrofe.
La temperatura empieza a descender de manera abrupta provocando la muerte de millones de personas pero esta sólo es la punta del iceberg para Jack, ya que tendré que embarcarse en una misión de rescate suicida para ir en busca de su hijo, Sam (Jake Gyllenhaal), quien ha acudido a Nueva York con unos compañeros de clase para participar en un concurso académico., quedando atrapado en una biblioteca…
Que te pille el fin del mundo ya es una chapuza, te rompe la tarde… pero que encima te pille en una biblioteca… Joder, Roland Emmerich, eso no se hace!
Crítica de la película Rocky
El despegar de Stallone y el nacimiento de uno de los personajes más queridos del cine
En el año 1976 Sylvester Stallone era un perfecto desconocido, un joven que soñaba tanto con convertirse en actor de cine que para pagar sus clases de arte dramático tuvo que participar en una película porno al sólo quedarle 20 dólares en el bolsillo. Hablando en plata, vivía en la más absoluta miseria ya que, como aseguró el propio Stallone más adelante, el apartamento en el que vivía Rocky en la película (que era un cuchitril) era mucho mejor que el suyo e incluso tuvo que vender su perro por 25 dólares, tal era su situación por aquel entonces. Pero ya se sabe, América es la tierra de las oportunidades, el lugar en el que los soñadores persiguen ese inalcanzable ideal conocido como “el sueño americano” y eso mismo hizo Stallone.
Empezó como extra en películas y series como Bananas (de Woody Allen), Carrera de la Muerte 2000 o por ejemplo en Kojak y rápidamente empezó a bocetar guiones hasta que el 24 de Marzo de 1975 presenció el combate entre el gran Muhammad Ali y Chuck Wepner, pelea que dominó Ali en todo momento pero, en el noveno asalto, Chuck golpeó a Ali, consiguiendo derribar al campeón, quien inmediatamente se levantó para seguir con el combate para continuar dándole a Wepner la paliza de su vida. No sé si cayó por el golpe o por inestabilidad pero lo cierto es que cayó y eso dio la idea a Stallone para escribir el guión sobre un boxeador que fuera totalmente desconocido, un don nadie al que nadie toma en serio pero que fuera capaz no sólo de derribar al campeón sino que, además, aguantar los 15 asaltos, demostrando a todo el mundo que no era uno más del montón.
En sólo tres días preparó el guión de Rocky, un guión que encantó a los productores pero había un problema, que no querían a Stallone en la película pero el actor se negaba a soltar el caramelo porque sabía que era tal el potencial de ese guión que se aferró a él con todas sus fuerzas, a sabiendas que si se deshacía de él se arrepentiría toda la vida. Los productores, convencidos de que podrían convencer a Stallone de soltar el guión con ayuda de un cheque que el actor necesitaba más que el comer, pensaron en varios actores para interpretar al púgil más famoso de Filadelfia: Ryan O´Neail, Burt Reynolds, James Caan o Robert Redford fueron algunos de los candidatos. Le ofrecieron a Stallone 300.000 dólares para que se saliera de este proyecto, cantidad que le resolvía la vida en aquel momento, pero nada lo convenció. Finalmente, accedieron a darle el papel principal a cambio de pagarle tan sólo 35.000 dólares por el guión.
Las películas que debes ver en Semana Santa
Aprovechando estas fechas tan señaladas en las que la religión cristiana cobra un especial sentido para muchas personas y para otras es ocasión para desconectar unos días del trabajo, desde este rinconcito de internet quiero aportar mi granito de arena de hacer más especial estas fechas con una selección de películas que tratarán de abarcar diferentes géneros del séptimo arte para que tod@s puedan disfrutar de esta festividad, ya sea por un motivo o por otro.
Seguramente la mayoría de las 10 películas que voy a recoger en este artículo no sorprendan demasiado pues hablamos de un género, el religioso, que por suerte tiene una serie de título icónicos dentro de la historia del cine que difícilmente puedan ser nunca superados, hablando siempre en términos cinematográficos, luego a unas personas les puede gustar más o menos determinadas películas pero sin duda reconocerán que todas ellas tienen algo que las hace especiales.
Sin más preámbulos, empiezo con mi selección de 10 películas preferidas sobre el cristianismo o relacionado con él. Espero que os gusten y las disfrutéis tanto como yo.
Crónica del Concierto The World of Hans Zimmer celebrado en Madrid el 7 de abril de 2019
Mucho ruido y pocas nueces
Este domingo 07/04/2019 tuve la ocasión de asistir al concierto The World of Hans Zimmer – A Symphonic Celebration, un espectáculo que prometía mucho y que luego, tras haber disfrutado las tres horas de concierto con un intermedio de 20 minutos de descanso, uno no puede evitar acabar con una sensación agridulce por lo que pudo ser y no fue.
Lo primero que he de decir es que Hans Zimmer no actúa en el show, algo que sorprendió a mucha gente del público y es algo que en todas las principales webs de venta de entradas y anuncios se han cuidado mucho de decirlo a sabiendas de que eso podría provocar que más de una persona se eche para atrás a la hora de comprar la entrada, la cual no es precisamente barata pero no importa, hemos venido a ver a Hans Zimmer! O eso creíamos…
El concierto tuvo lugar en el Wizink Center de Madrid a las 19:00 y el estadio estaba lleno aproximadamente en un 95% (había alguno sitios libres en las gradas cerca del escenario). Tras unos minutos concedidos para que terminasen de llegar los que van siempre con la hora pegada al trasero, empiezan a salir los músicos con el aplauso de rigor por parte del público y, finalmente, entra el director, Gavin Greenaway, uno de los directores de orquesta que habitualmente trabaja con Hans Zimmer en sus bandas sonoras (Zimmer compone y Greenaway dirige la orquesta). Es en ese momento cuando en las pantallas aparece Zimmer hablando en inglés sin subtitular (lo cual considero un tremendo error porque hay mucha gente que no se habrá enterado de la misa la media, os lo aseguro, yo el primero en muchas partes de esos vídeos que han ido apareciendo durante todo el concierto). Es en este momento que siento un jarro de agua fría al ver que no está Zimmer, pero bueno, pensaba que estaría en las mesas de sonido controlando todo el espectáculo y que aparecería luego interpretando alguna banda sonora, como hizo en Barcelona.
Crítica de la película Apocalipsis Now
Un lugar del que no todos vuelven pero ninguno vuelve intacto
Hoy analizo la que sin lugar a dudas es la mejor película sobre la guerra de Vietnam y, a la vez, está en el top 5 de las mejores películas bélicas de la historia del cine sólo superada por Senderos de Gloria, la cual considero que sí es la mejor película bélica de todos los tiempos y la mejor película del maestro Stanley Kubrick.
Estrenada en 1979 y dirigida por Francis Ford Coppola (la trilogía del Padrino, Drácula), la película está inspirada en la novela de Joseph Conrad, “El corazón de las Tinieblas”, en la cual un marinero narra su travesía en el siglo XIX a través de un río tropical de África en busca de Kurtz, el jefe de una explotación de marfil que parece haberse vuelto loco, rompiendo con las costumbres sociales tal y como se conocían en Europa, siendo tratado por los nativos como un dios.
Sobre esa idea parte esta película, en la que el joven capitán Willard (interpretado por un jovencísimo Martin Sheen) sobrevive a base de alcohol en su habitación de un hotel de Saigón mientras espera que le asignen una nueva misión en ese infierno que es Vietnam en el año 1969, lo cual veremos que no tarda en suceder. Cuando unos oficiales lo llevan ante sus superiores, entre los que se encuentra otro jovencísimo Harrison Ford interpretando al coronel Lucas, estos le hablan del coronel Kurtz (Marlon Brando), un brillante oficial que había destacado en todo pero que tras su paso por las fuerzas especiales se volvió loco, con ideas y métodos “absurdos”, acabando en la selva de Camboya liderando a un ejército de nativos que lo idolatran como a un dios, cumpliendo todas sus órdenes por estúpidas que sean. La gota que colmó el vaso fue cuando el coronel Kurtz ordenó la ejecución de varios vietnamitas que creía que eran agentes dobles, tomándose la justicia por su mano, momento en el que iba a ser acusado de asesinato. Es entonces cuando deciden acabar con Kurt y para eso necesitan a Willard, encomendarle la misión de navegar el río en una lancha patrullera hasta llegar al campamento de Kurtz, infiltrarse y acabar con él. Por supuesto, toda la misión es secreta pues nadie quiere que se sepa que a uno de los oficiales más condecorados de Estados Unidos se le ha fundido un fusible.
Crítica de la película Tras la línea enemiga
Un buen drama bélico cargado de una acción trepidante
En el año 2001 llegaba a los cines esta película, dirigida por John Moore (El vuelo del Fénix, La profecía: Omen 666, Max Payne, La jungla: Un buen día para morir, Amenazados en la red) y en la que nos sitúan la historia en un portaviones americano tras finalizar la guerra de los Balcanes cuando continuaban las misiones de reconocimiento en Bosnia con cazas americanos. Es entonces cuando, en víspera de Navidad, el contraalmirante Leslie McMahon Reigart (Gene Hackman) ordena una nueva misión de reconocimiento a dos de sus pilotos, Chris Burnett (Owen Wilson) y Jeremy Stackhouse (Gabriel Macht), quienes tras acudir a investigar una señal con su caza, son derribados por las fuerzas rebeldes bosnias, iniciando una misión de supervivencia para lograr escapar de las fuerzas rebeldes que quieren asesinarles mientras van descubriendo las atrocidades que a su paso cometen estos rebeldes.
Inspirada en la historia real del piloto Scott O´Grady quien el 2 de junio de 1995 fue derribado en suelo serbio durante una misión de reconocimiento, teniendo que sobrevivir durante 6 días mientras todas las fueras rebeldes trataban de encontrarlo y asesinarlo.
Enfocada como un drama de guerra cargado de acción, la película engancha desde el primer minuto cuando vemos a estos dos pilotos, ya montados en el caza a punto de despegar en una de esas misiones de reconocimiento, y de repente, vuelven a anularles el despegue, provocando la desesperación de Brunett (Owen Wilson) quien no ve sentido que un piloto esté en tierra todo el día sin poder volar, presentando su dimisión al contraalmirante Leslie McMahon Reigart (Gene Hackman), quien le increpa por querer dejar la armada para pilotar un Airbus comercial y haber perdido la ambición de sus inicios, explicándole que no todo puede ser acción, también hay que tener rutinas para fortalecer la disciplina, lo cual prepara para la guerra, a lo que Brunett responde: “No estamos en guerra, si estamos en guerra, ¿por qué no se actúa en consecuencia? La misión es despegar, dar una vuelta y regresar. A veces fingimos que estamos en plena batalla pero sólo hacemos eso, fingir. No combatimos, sólo observamos” “Alégrese de no entrar en combate teniente porque con su actitud no duraría mucho…”. Esta discusión marcará a Brunett, quien durante toda la película tendrá que sobrevivir por sí solo frente a un ejército que trata de matarle, demostrando a Reigart lo bien que sabe apañárselas sólo.
Crítica de la película Illang: La brigada del lobo
Fantásticas escenas de acción dotadas de una increíble potencia visual
En Octubre de 2018 se estrenó en la plataforma Netflix la película Illang Brigada de Lobos, una sensacional historia de ciencia ficción basada en el anime japonés "The Wolf Brigade" (1999), con un apartado visual espectacular que consigue atrapar al espectador durante las casi dos horas y media que dura la cinta (139 min.) y con unas escenas de acción de primera categoría, rodadas con maestría a pesar del austero presupuesto que hay detrás de este proyecto: 17 millones de dólares. Sin duda, el director de este film, el coreano Kim Jee-woon, consigue que cada dólar de ese presupuesto luzca en pantalla de manera asombrosa, demostrando que no siempre una factura modesta tiene por qué lastrar una película, al igual que un presupuesto desorbitado tampoco es garantía de excelencia aunque facilita mucho las cosas permitiendo que no haga falta sudor y lágrimas para sacara delante cierto tipo de escenas complejas o acercando el rodaje a escenarios reales más espectaculares en pantalla.
La película empieza con una voz en off que nos explica que en el año 2024 las dos Coreas deciden reunificarse para hacer frente a la amenaza que supone para ellas Estados Unidos, China, Japón y Rusia, siendo necesaria la creación de unas Fuerzas Especiales que aseguren el orden público durante la reunificación, existiendo una moratoria de cinco años para llevar a cabo tal objetivo. En medio de todo ese proceso, nace una organización terrorista llamada Secto que pretende acabar con la reunificación, provocando el endurecimiento de esas Fuerzas Especiales que empiezan a usar armamento pesado y en una misión matan accidentalmente a un grupo de quince niñas inocentes (conocido como Viernes Sangriento), siendo ese suceso usado por el departamento de Seguridad Pública (que estaban en contra de la reunificación) para forzar el cierre de esas Fuerzas Especiales, las cuales quedan reducidas a un pequeño grupo cuyos miembros se ven obligados a ocultar su rostro después del trágico accidente.
