Crítica de la película Eternals

Sorprendente, diferente y única.

      Parecía claro que si la directora Chloe Zhao se ponía detrás de las cámaras en un proyecto Marvel, tras películas tan singulares y personales como Nomadland. Evidentemente Marvel tiene unos códigos relativamente inamovibles, pero si la directora se ha pasado a esta superproducción es porque algo distinto podía aportar a esa fórmula tan conocida. El problema es a la vez su virtud. Es la película más distintiva de Marvel, posiblemente la más personal e inclasificable, y en términos de drama y oscuridad en torno a sus personajes tiene algo más en común con el cine de DC (las referencias a DC están explícitas en la película, en serio. Y  Angelina Jolie hubiese sido una Wonder Woman simplemente perfecta). Porque posiblemente también sea la más seria de todas las películas Marvel. Apabullante a nivel visual. Impresionante en su alcance. Pero el guión no queda redondo y quiere sumar muchas cosas a la mezcla…

Ron Da Error ★★★

Octubre 22, 2021

Crítica de la película Ron Da Error

Divertido y colorista espectáculo, donde los robots se convierten en efectivos community managers de niños demasiado preocupados por las redes sociales.

      ¿Quién no recuerda los tamagotchi de finales de los noventa? Estos dispositivos, transformados en mascotas de plástico y batería recargable, tuvieron a los niños de esa época pendientes de si el aparato tenía que comer, dormir, o realizar actividades de evacuación cibernética. Al final, si el dueño no cumplía con los deseos de la caprichosa maquinita, el juguete sucumbía por una muerte trágica. Según los responsables del invento, la idea estribaba en concienciar a los más pequeños de la importancia de ser responsables con el cuidado de los animales domésticos. Algo parecido ocurre en esta película de animación, filmada por Sarah Smith, Jean-Philippe Vine y Octavio E. Rodriguez; aunque el asunto del que se ocupan los b-bots que hacen las veces de costosos tamagotchi es mucho menos humano que el de los citados artilugios del filo del milenio; ya que su misión se dirige a desplegar la existencia virtual de los críos que los compran.

Crítica de la película Halloween Kills

Divertida pero inferior secuela de la anterior La Noche de Halloween.

      Quizá, demasiado divertida. No me malinterpreten, no me refiero al sentido de pasarlo demasiado bien en una sala de cine, sino a que la película está saturada de un humor que llega a resultar cargante y que resta peso y poso al drama de los personajes, que es algo en lo que La Noche de Halloween anterior acertaba de pleno, ser relevante devolviendo un toque elegante y poderoso a una saga excesivamente desgastada. En esta ocasión cualquier atisbo de elegancia sale por la ventana para dejar paso a la sal gorda, la casquería extrema y una ristra de muertos que no se han visto en ningún slasher. Aunque eso sea alejar la película de sus orígenes.

Crítica de la película La crónica francesa

Fiesta de Wes Anderson en buena forma, satírico y jugando con el lenguaje.

         Autorreferencial en muchos aspectos y con perfecta coherencia con el resto de su filmografía, Wes Anderson vuelve a convertir a sus personajes de carne y hueso en marionetas para su espectáculo de casa de muñecas que en este caso hunde sus colmillos satíricos en una visión folclórica de algunos momentos de la historia de Francia en el siglo XX, contemplada desde la mirada adicta al tópico, romántica y reduccionista de los estadounidenses. De ahí el título y el vínculo con una particular zona geográfica estadounidense que mira a esa Francia de postal, mirada homenajeada con ese juego de ayer y hoy resuelto visualmente con divertida elegancia por el director aplicando con descaro la pantalla partida en el principio de la película al repasar los barrios de la ciudad de Ennui (Aburrimiento), en esa especie de breve primer acto repleto de guiños al cómico galo Daryl Cowl y sus trompazos en bicicleta en la contribución de arranque de la película protagonizada por Owen Wilson como el reportero Sazerac; el repaso a la etapa de las vanguardias artísticas de los años veinte en un ejercicio visual donde domina la frontalidad, que me parece el fragmento más rico de la película, y con un gran Benicio Del Toro bien combinado en su química ante la cámara con Léa Seydoux y Adrien Brody; algunos planos de arranque de la historia que recuerdan, como algunos recursos, las comedias de Jacques Tati;  la revisión y actualización posmodernista de recursos en boga en el momento en que el cine mudo buscaba en sus primeros compases el camino del denominado Modelo de Relato Institucional; el posterior giro en su historia de la revolución del tablero de ajedrez hacia planteamientos de personajes, visuales, conflicto y narración de la Nouvelle Vague, con una crítica realmente divertida al fenómeno de Mayo del 68 y su posterior explotación, que quizá no haya hecho gracia a algunos pero a mí me parece muy oportuna y divertida, con sus momentos de mitificación intelectualoide del postureo del personaje de Zeffirelli interpretado por Timothée Chalamet; el guiño humorístico al ataque visual de los colores de la televisión de los años sesenta en la última historia donde el personaje de Edgar Wright recuerda al Truman Capote enfrentado a la crónica de sucesos de su primera novela, A sangre fría, y ese juego final de apuesta por el cine de animación estilo Tintín o Blake y Mortimer dos clásicos del comic europeo. Añadan a eso prólogo en el que reina la habilidad para la autoparodia de la propia película y su propuesta, con autocita en el mismo de Wes Anderson a su habitual tendencia a la construcción visual compartimentada y de casa de muñecas, y epílogo que completa todo el ciclo narrativo de esta película que también podemos contemplar o entender como la reunión de tres cortometrajes -prólogo y epílogo y el fragmento de Owen Wilson- y tres mediometrajes -cárcel/vanguardias, revolución juvenil/postureo y crónica de sucesos/gastronomía-, cerrando en una forma de bucle donde el relato parece comenzar de nuevo, dando lugar a un ciclo interminable, cuando los periodistas recomienzan a contar en grupo su particular visión de la historia de la crónica francesa.

                                              Miguel Juan Payán

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Crítica de la película El buen patrón

Fernando León de Aranoa vuelve a la carga con una magnífica película.

      Un drama cómico o una comedia dramática, depende de cómo quieran enfocarla, que reúne de nuevo al director al director y guionista con Javier Bardem y con un reparto plagado de talento, para contar una historia sencilla pero que habla mucho de nosotros y de quiénes somos como sociedad, a través de una pequeña fábrica. Un microcosmos en el que el director coloca como jefe (y cabeza de familia) al personaje de Bardem, mientras nos ayuda a descubrir que las cosas no son tan sencillas como parece y que detrás de todo mundo en perfecto equilibrio, hay muchas mentiras, muchas cosas escondidas y un equilibrio que parece cualquier cosa menos perfecto.

Titane ★★★★

Octubre 06, 2021

Crítica de la película Titane

El fenómeno del cine fantástico del año. Provocadora e inquietante. .

         Titane le da varias vueltas de tuerca a todo lo que podamos esperar de la etiqueta de cine fantástico, empezando por articular una historia disparatada con las premisas de un drama intimista sobre los afectos y desafectos entre los distintos protagonistas y de los propios protagonistas hacia sus propios cuerpos.

         En su ADN lleva el instinto de provocación del cine de David Cronenberg y haría buena pareja en programa doble con algunas de las películas de este, especialmente Crash (1996), con algunas claves de Inseparables (1988) y otras relacionadas con la destrucción y reconstrucción del cuerpo estilo Videodrome (1983), aunque temáticamente no sería arriesgado meterla en un ciclo junto a Cromosoma 3 (1979). Pero más allá de Cronenberg habrá quien viendo la película recuerde los disparates de la saga japonesa de Tetsuo, Tetsuo, el hombre de hierro (1989), Tetsuo II: El cuerpo de martillo (1992), de Shin´ya Tsukamoto.

Crítica de la película Las leyes de la frontera

Monzón vuelve sobre el llamado cine quinqui para mejorarlo con eficaz elegancia.

      Daniel Monzón no defrauda y sigue siendo capaz de convencer al espectador más escéptico para que juegue a lo que él le propone. Y otro tanto puede decirse de Jorge Guerricaechevarría en el guión. Voy a explicar eso del espectador escéptico. Vaya por delante una confesión ante las altas instancias que rigen la moda de nuestros días y el etiquetado de las papillas y potitos mediáticos: Me acuso de ser escéptico y poco entusiasta -por decirlo de forma suave- de la mitificación y reverencia hacia el cine quinqui como crítica social y reivindicación de personajes sometidos a la exclusión social, quizá porque consumí esas películas en la misma época en que las calles de las ciudades españolas respiraban bajo las páginas de sucesos escritas a golpe de atraco por sus protagonistas reales y no resultaba fácil considerarlos forajidos de leyenda.

Crítica de la película Madres paralelas

Inspirada película de Pedro Almodóvar, en la que salta de manera ingeniosa y sorprendente del drama social, al folletín con ribetes de thriller familiar.

      Pedro Almodóvar recupera la frescura y la inspiración tragicómicas, que le han llevado a ser uno de los directores españoles más aclamados a nivel internacional. La peculiar forma en que el creador manchego se acerca a las realidades extrañas -que suele abordar en su cine- se convierte en un recurso de notable eficacia artística, dentro del desarrollo de Madres paralelas.

Cry Macho ★★★

Septiembre 22, 2021

Crítica de la película Cry Macho

Buena, pero demasiado sencilla para ser un Eastwood.

         Expectativas. La pesadilla de los talentos consagrados. Se les exige estar siempre al nivel de sus mejores trabajos, en este caso Gran Torino sería el mejor ejemplo, pero ellos quieren buscar y explorar otros caminos.

         En Cry Macho, Eastwood reniega del Eastwood que esperamos, y me hace recordar la frase con la que se cerraba El caballero oscuro: no es el Eastwood que esperamos sus seguidores, pero quizá sí sea el Eastwood que necesitamos. Un Eastwood que va más allá de la mitología del western crepuscular, siendo el western el género más cercano a esta película desde la fórmula que adopta de película de itinerario, donde sin embargo tanto la codificación musical como la visual reniegan del western para sustituir el country por el jazz en la música, aclarando así desde el principio ese empeño del director por llevarnos a un camino distinto al que esperamos.

Respect ★★★★

Septiembre 20, 2021

Crítica de la película Respect

Fiel a lo previsible del biopic pero bien respaldada por música y actores.

         No soy aficionado ni suelo disfrutar los biopics. No soy aficionado ni suelo disfrutar los musicales. Pero a pesar de ambas cosas, lo he pasado bien viendo Respect y me gustó. Es cierto que sigue la fórmula de la biografía amable de la celebridad convenientemente maquillada por el cine para no levantar demasiadas ampollas entre los herederos del biografiado/finado, o entre sus seguidores, o entre quienes lo consideran institución, icono, mito intocable. Pero la manera en la que aborda esa fórmula, con todos sus inconvenientes, es inusualmente hábil, y dotada de un ritmo de narración que hace que la dos horas y media de metraje pasen muy bien como si fuera una narración de hora y media. En mi código si no se me hace larga, si me engancha tanto que no noto el paso del tiempo, la película está cumpliendo con el que debe ser su primer objetivo en cualquier caso: entretenerme. A partir de ahí, podemos empezar a hablar.

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