Crítica de la película The Equalizer 2 

Mejor que la primera, con un Denzel Washington soberbio y en su salsa.

Antonie Fuqua y Denzel Washington le han pillado totalmente el pulso al personaje de Robert McCall en esta segunda película, y se nota que ambos están más cómodos para abordarlo, más relajados, con menos lastres de presentación de personaje, y acercándose a una trama donde mantienen varios “casos” a la vez en el aire, como malabaristas hábiles del cine de intriga salpicado ocasionalmente con secuencias de violencia rápida y brutal donde de paso encuentran y explotan cierto tono de autoparodia -el tema del reloj- sin por ello descascarillar la tensión.

Creo que en esta segunda película consiguen equilibrar mejor esas dos identidades que conviven en las historias de la serie The Equalizer tal como las han repensado para el cine. La alianza entre una forma de abordar la intriga que remite al tono de cine setentero con historias de conspiración se da aquí la mano mejor que en la primera película con la parte de acción trepidante. Y el encuentro de Denzel Washington con Pedro Pascal funciona bien, aunque sin grandes sorpresas. El juego de los actores en general es el mejor aliado de la película para salir adelante y hacer sólidas e interesantes las partes más frágiles del relato. Esa fragilidad deriva del hecho de que en realidad tampoco es que no estén contando nada nuevo. Es una película de acción e intriga sólida, solvente y resolutiva en su contenido, que como muchas de las que habitaron la cartelera en la etapa de clásicos del género en los años setenta sale adelante porque tiene un guión bien organizado y bien equilibrado en sus partes esenciales, porque Fuqua sabe cómo sacarle el máximo partido a Denzel Washington, su actor-fetiche, en este género -no se le dio tan bien en el flojo remake de Los siete magníficos, pero incluso en aquella las partes más sólidas derivaban de la química director actor entre Fuqua y Washington, una de las mejores asociaciones de director-actor del cine actual, como vienen demostrando desde Día de entrenamiento-, y porque sabe cómo reforzar a su protagonista con la contribución de un cuadro de actores de reparto en el que además de Pascal saca muy buen partido a las breves pero contundentes contribuciones de Melissa Leo y Ashton Sanders en papeles más relevantes, pero también, y esto es aún más llamativo y sin duda esencial para darle solidez y madurez a la propuesta, en contribuciones más breves pero esenciales de Bill Pullman, Orson Bean y Sakina Jaffrey para revestir de mayor solvencia las partes más de tránsito y acompañamiento de otros momentos más esenciales de la historia. Derivado de todo ello, esta segunda película tiene más personalidad que la primera, tiene un final de acción más interesante y dinámico, y en su conjunto todo está más conseguido. Además puede profundizar más en el pasado del personaje incorporando información sobre el mismo de manera dinámica a la trama, lo que le proporciona más base y desarrollo al trabajo de Washington dando como resultado un personaje más completo.

Se preguntarán ustedes por qué si todo esto está tan bien no le he atizado cuatro estrellas en lugar de tres. Pues porque ahí algunas cosas que me chirrían especialmente. Vamos con ellas. Primero ese “buenismo” cargante que impregna algunos momentos particularmente babosos de la película. A ver, tengo clarísimo, y lo advierto antes de que salga el listillo/a de turno a tirarse del tirante, que el tema del buenismo forma parte de la propia personalidad del personaje. Lo acepto, no me lo trago ni por un segundo, ojo, me crispa y me parece un lastre que se empeñen tanto en convertirlo en una especie de banderita de buen rollo, pero, como decían en el anuncio aquel de los juegos de mesa: aceptamos barco como animal de compañía. Me gustaría que el tema de la redención lo llevaran por un lado menos simplón, sobre todo porque me parece una manera de justificar que el menda se ponga las botas cada vez que se lía a repartir leña con consecuencias particularmente brutales y sangrientas. Da la sensación de que la previsible satisfacción sádica del espectador por ver tan expeditivo reparto de tollinas quedara liberada de toda responsabilidad o mal rollo por la vía del buen rollo. Me parece algo farisaico el asunto. Pero lo que me ha aniquilado en esta película es el desenlace del abuelete que busca el cuadro. Creo que ahí se les ha ido la mano. Mucho. Es un final de telefilme, modo “El equipo A” y creo que no pega nada con la interesante y narrativamente saludable amargura y tristeza que transpira todo el resto de la película. Tampoco me convence el “momento mensaje” metido con calzador entre Denzel y su joven vecino en el edificio de los camellos, pero al menos en ese caso lo bien que funcionan los actores hacen que lo pueda hacer pasar por la garganta y me lo trague a regañadientes sabiendo que es más falso que el alma del propio Judas. Otro arrebato de telefilme. Y, bueno, lo de ese Deus ex machina del golpe de viento en la torre ha conseguido que escuche incluso el mecanismo de poleas de guión como si estuviera rascándome la toga en un teatro griego mientras me tatúan en el antebrazo apò mekhanês theós. Esperaba que resolvieran ese interesante huerto de estrategia en el que se habían metido sin salirse por la tangente. Ah, y bueno, lo del pasajero con pinta chunga que, ¡sorpresa!, resulta ser un chungo, no puedo decir que me haya sorprendido especialmente. En general, la parte de intriga propiamente dicha, me ha sorprendido poco, principalmente porque pescan peces de plástico en el mismo barril de siempre y no arriesgan, pero tampoco voy a pedirle más a este tipo de producto que, insisto, en todo lo demás me parece bastante sólido y me ha proporcionado un buen rato de cine de acción e intriga, tomándose además el tiempo necesario para construir su historia abordando personajes y asuntos de carácter más secundario, cosa que es muy de agradecer.

Al contrario que otras películas de intriga y acción, The Equalizer 2 sí es una película, película. Y bastante completa.

Miguel Juan Payán

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VENGADORES: LA GUERRA DEL INFINITO XXXXX

Revista ACCION 1808 AGOSTO 2018

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EN PORTADA:
LOS INCREÍBLES 2. La familia Parr vuelve a salvar el mundo en esta secuela, donde el pequeño Jack-Jack demostrará la cantidad de poderes que acredita debajo de su aspecto de inocente bebé.

LA HISTORIA DE PIXAR El sheriff Woody, Buzz Lightyear, Boo, Nemo, Mike Wazowski, James P. Sullivan, Dory… La historia de Pixar se puede contar a través de la fisonomía de los célebres personajes que han protagonizado sus películas de dibujos informatizados: un universo de colores y escenarios divertidos, que han colocado a este gigante tecnológico en lo más alto de las empresas dedicadas a las películas infantiles y familiares. Pero Pixar cuenta con una historia que ya sobrepasa las cuatro décadas, en las que la compañía ha tenido que lidiar con épocas de triunfo, y otras de incierto futuro. .

DE ESTRENO: Blackwood Rodrigo Cortés nos trae una película para público juvenil que no es lo que esperamos del cine para adolescentes. Un relato de terror gótico fascinante que es una de las sorpresas más gratas del verano.

ENTREVISTA: Rodrigo Cortés Desde su primera película, la magnífica Enterrado, Rodrigo Cortés ha decidido que nadie sea capaz de encorsetarle en un tipo de proyectos, y lo vuelve a demostrar con Blackwood. Una película producida por Stephanie Meyer dirigida al público adolescente, que esconde mucho más en su interior, desde sus aires de cine de terror de los setenta, a una cuidadísima atmósfera y producción. Y de todo ello nos habló en profundidad en esta entrevista en exclusiva con ACCIÓN.

DE ESTRENO: The Equalizer 2 Cuarta colaboración entre Denzel Washington y el director Antoine Fuqua, quienes vuelven a unir fuerzas para contarnos el regreso de Robert McCall, personaje televisivo llevado al cine en 2014 por primera vez por este equipo que se reúne de nuevo. Una historia que mezcla intriga con brutales secuencias de acción y donde volvemos para encontrarnos nuevos aliados y enemigos, además de personajes ya conocidos por los fans de la primera película, que sin duda disfrutarán con una segunda entrega hecha por y para ellos. Algo que parece que tienen claro todos los responsables de la película… ¿Estará a la altura?.

ENTREVISTA: Denzel Washington y Antoine Fuqua Cuando Antoine Fuqua presentó al mundo a un irresistible héroe cinematográfico –el director le considera un “ángel oscuro”, que lucha por lo que es justo y luego desaparece en la noche– sabía que un thriller lleno de acción protagonizado por Denzel Washington como The Equalizer sería muy popular entre la audiencia. Y ciertamente lo fue, pero Fuqua no se dio cuenta en aquel momento de lo popular que sería. .

OTROS ESTRENOS: Megalodón, Slender Man, Alpha, El espía que me plantó, Mentes poderosas.

REPORTAJE: Tiburones el mar sangriento: Jason Statham ha etiquetado Megalodón como “un cruce entre Tiburón y Parque Jurásico”, pero a quien esto escribe le recuerda más a otra propuesta de evasión submarina pura y dura producida también por Warner Bros., Deep Blue Sea, dirigida por Renny Harlin en 1999, cuya secuela, Deep Blue Sea 2, casualidades de la cartelera, se ha estrenado en 2018, y es más bien floja.

REPORTAJE: Títeres asesinos y muppets pervertidos. El cine de marionetas que no pueden ver los niños: A grandes y pequeños nos encantaron en su momento Cristal oscuro y Dentro del laberinto, aventuras fantásticas para toda la familia, geniales en su modalidad e imperecederas, pero las marionetas no tienen por qué dirigirse siempre a los niños y pueden llegan a ser muy canallas. El 17 de agosto se estrena ¿Quién está matando a los moñecos?, dirigida por Brian Henson y protagonizada por Melissa McCarthy, una producción de la propia Jim Henson Company, que se atreve a dar un paso hacia la incorrección sin ambages. Como es habitual con los teleñecos, en la película participan actores reales y muñecos, pero en esta ocasión no se ofrecen las peripecias de Peggy, Gustavo o Gonzo, sino un policíaco cachondo repleto de barrabasadas que ha sido calificado R en Estados Unidos.

CARTELMANÍA: Leyendas y disparates de terror
Hombres de las nieves, Santa Claus asesinos, conejos gigantes psicópatas, cocodrilos albinos y otras criaturas y leyendas explotadas por el cine se dan cita en la “Cartelmanía” del mes para festejar el estreno de la primera aventura de su colega, Slender Man.
Boogeyman: La puerta del miedo (2005), Bunny, la cosa asesina (2015), Candyman, El dominio de la mente (1992), El abominable hombre de las nieves (1957), El paso del diablo (2013), La bestia bajo el asfalto (1980), Trollhunter (2010), Un cuento gamberro de navidad (2010).

CARTELMANÍA Grandes películas de cine de terror (XXV parte)
La presente entrega es una buena ocasión para reparar en las fronteras y diferencias entre el terror financiado por los grandes estudios y el terror de serie B o serie Z.
Déjame entrar (2008), Hostel (2005), La Horda (2009), La Niebla (2007), Los renegados del diablo (2005), Paranormal activity (2007), [Rec] (2007), The Descent (2005)

SERIES TV.

Reportaje: Stargate SG-1 Stargate está de vuelta en nuestro país. La serie que servía de secuela a la película de 1994 de Roland Emmerich nunca se ha ido realmente, y desde el pasado 16 de abril, SYFY la ha recuperado para todos nosotros, emitiendo actualmente la Temporada 6 y se terminará de emitir en septiembre con la última temporada. Es el momento idóneo para recuperar un universo que nació con una película para convertirse en un referente de ciencia ficción televisiva por derecho propio y con varios récords que nadie se ha atrevido a romper todavía. Es momento de volver a usar la puerta a las estrellas…

Reportaje: Krypton. Presente y futuro La primera temporada de Krypton ya está entre nosotros, y ha sido una sorpresa más que agradable, un soplo de aire fresco en el saturado mercado de adaptaciones de cómic, que además no ha tenido miedo de cambiar las reglas del juego y la mitología de Superman, en cierta medida. Nos trasladamos a Londres de la mano de HBO, quien tiene la serie en nuestro país, para hablar en exclusiva para nuestro país con cuatro de sus protagonistas, Cameron Cuffe, Wallis Day, Ann Ogbomo y Blake Ritson, quienes nos hablaron de la serie en profundidad… y de lo que está por llegar. Eso sí, si no han visto la primera temporada, ojo… Hay spoilers.

Reportaje: Legión Segunda temporada: Tras convertirse en una de las series más únicas, inclasificables, peculiares, abrumadoras y lisérgicas que cualquiera de nosotros pueda recordar, Legión ha regresado este año con nosotros con una segunda temporada que no planea cambiar de rumbo respecto a lo visto en la primera y que profundiza aún más en la locura de sus personajes, sobre todo su protagonista, pero sin desligarlo del universo X-Men al que pertenece. Una segunda temporada que no será la última pero que nos permite ahora, ya emitida en nuestro país, revisarla para invitar a todo fan de los cómics a participar en este viaje.

Entrevista: Simone Missick La actriz llega junto a nosotros y saluda a todo el mundo, preguntándonos de dónde venimos. Es divertida, vibrante y tiene una forma fascinante de contar las cosas que hace que riamos continuamente durante la entrevista, permitiéndonos además descubrir muchas cosas sobre esta segunda temporada, que son de lo más interesantes. Desde cómo encontraremos a su personaje, a las escenas de acción, pasando por un posible salto a una serie como protagonista, con Las hijas del dragón al frente… Eso sí, si no han visto The Defenders, ojo, puede haber spoilers. Todo en esta entrevista en exclusiva en España con ACCIÓN.

Entrevista: Mustafa Shakir Es el recién llegado a Luke Cage y en cierta medida se nota. Sus respuestas son escuetas muchas veces, pero no por sequedad, sino porque se percibe que no sabe hasta dónde puede llegar con las respuestas, que son concretas y muchas veces muy divertidas. Va camino del estrellato con Luke Cage y su papel en The Deuce. Le interrogamos sobre la nueva temporada de la serie, sobre su personaje y su llegada a Luke Cage, y sobre todo lo que pueda contarnos sobre Bushmaster, el nuevo villano. Y todo ello en esta entrevista en exclusiva en España con ACCIÓN.

FICHAS ACTORES TV:
Chadwick Boseman, Portia Doubleday, Jessica Lucas, Bd Wong.

FICHA SERIES DE TV: Érase una vez

COLECCIONABLE ESTRELLAS DEL CINE
Peter Sellers
Nacido el 8 de septiembre de 1925 en Portsmouth, Inglaterra, Peter Sellers alcanzó su estatus como estrella internacional con personajes como el inspector Clouseau de la saga de La Pantera Rosa (1963), pero lo cierto es que su carrera como actor fue mucho más rica que su dedicación a esa taquillera franquicia y buena prueba de ello son el pederasta bromista que encarnó en Lolita (1962), los tres papeles que interpretó a las órdenes de Stanley Kubrick en ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) –el presidente Muffley, el militar capitán Mandrake y el disparatado doctor Strangelove que prestaba su nombre al título original de la película, a los que pudo añadirse el mayor T. J. King Kong, de no ser porque no acababa de pillarle el acento texano al personaje, que el director llegó a ofrecerle a John Wayne– y Bienvenido Mr. Chance (1979), película que tardó nueve años en conseguir que fuera financiada por un estudio dada la desconfianza que despertaba su potencial en la taquilla hasta que finalmente el retorno de la saga de La Pantera Rosa demostró que seguía teniendo tirón comercial como protagonista.

SECCIONES FIJAS

16 FICHAS CRÍTICAS
A la deriva, Ant-Man y la avispa, Bendita ignorancia, Con amor Simón, El hombre que mató a Don Quijote, Jurassic World: El Reino Caído, El mundo es suyo, Hereditary, JoJo's Bizarre Adventure Diamond is Unbreakable, Lola Pater, No dormirás, No te preocupes, no llegará lejos a pie, Que Guapa Soy, Sicario: El día del soldado, Tokyo Ghoul, Un mar de enredos,

4 FICHAS CINE CLÁSICO ESPAÑOL.
El largo día del águila (1969), La flaqueza del bolchevique (2003), Platillos volantes (2003), Princesas (2005)

FICHA ACTOR: Margot Kidder

PELÍCULA MÍTICA: Häxan: La brujería a través de los tiempos (1922).

FICHAS SERIES TV : Freaks and Geeks (T1), Friday Night Lights (T1), Por trece razones (T1), Veronica Mars (T1)

OTRAS SECCIONES
Noticias, Correo del lector, Mundo fantástico, Novedades DVD

8 POSTERS GIGANTES
Los increíbles 2, Legion T2, Bumblebee, Spiderman: Un nuevo universo, Venom, Glass, Piraña


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Crítica de la película Mision Imposible: Fallout

La mejor de las misiones imposibles de la 3 en adelante y muy cerca de la 1. Cruise se supera.

La sexta entrega de la franquicia de Misión imposible no da muestra alguna de agotamiento de la saga. Todo lo contrario. Completa el proceso de reinvención de la misma que se inició con la entrada en la franquicia de J.J. Abrams y pienso que de algún modo cierra un segundo ciclo tras el comienzo de cine más clásico de la primera película dirigida por Brian De Palma y el fallido resbalón de la segunda entrega, sin duda la peor de toda la saga. Esta película es la culminación de muchas claves que empezaron a manejar los artífices de la franquicia desde la tercera película y lo hace con una capacidad de autoparodia, un humor y un desarrollo de personajes en uno de los mejores guiones de toda la serie que consigue batir sin problemas a la última entrega de James Bond, Espectra, por poner un ejemplo de producto similar en el cine de evasión y enretenimiento.

Por otra parte, en lo que se refiere precisamente a cine de evasión y entretenimiento, lo que nos ofrece esta nueva Misión imposible es precisamente la propuesta más apetecible del cine de blockbuster para el verano. Es la mejor entre los estrenos que han llegado a nuestras pantallas en las últimas semanas y además va a situarse sin problemas como una de las mejores películas de este año, una de las más eficaces en su banda de explotación del cine como herramienta de evasión y entretenimiento. Pero además es muy sólida como película. Aprovecha las claves de sus predecesoras pero funciona perfectamente en solitario sin necesidad de ver el resto, cosa de la que no pueden presumir la mayoría de las franquicias de nuestros días.

El guión de Fallout hace dos cosas interesantes. La primera es poner al personaje de Tom Cruise en una nueva posición más interesante. A ver, el hombre siempre ha sido un pupas, resolutivo y eficaz, pero siempre luchando en primer lugar contra la incompetencia de sus jefes, lo que le otorgaba cierto tono de clásico y trágico perdedor. En la fase iniciada por J.J. Abrams empezó a cultivarse una segunda personalidad para este personaje de antihéroe que ha ido fructificando en varias entregas y alcanza su forma más completa en ésta última. Encontramos así a un Ethan Hunt que ajusta cuentas con sus fantasmas del pasado pero al mismo tiempo es capaz de incorporar claves de humor como el propio guión, que parodia, homenajea y al mismo tiempo bromea con las claves de la serie –el tema de las máscaras, por ejemplo-, sin renunciar a la solidez de los personajes, tanto el principal como los secundarios que le rodean y están mejor desarrollados y utilizados que nunca. Me atrevo a decir que, sin perder su propia personalidad, aquí Ethan Hunt me ha recordado más que nunca el tono y estilo de antihéroe trepidante que caracterizara los mejores momentos del Indiana Jones de Spielberg y Harrison Ford, un tipo que se pasa la película improvisando y con un diálogo y personajes y actitudes que en más de una ocasión arrancaron sonrisas y carcajadas a los espectadores incluso en el pase de prensa.

Divertida, trepidante, con un ritmo que hace que llegues a las dos horas y pico de metraje pensando que sólo has estado una hora en el cine esta es sin duda la mejor y más completa propuesta de la saga. Además Tom Cruise se supera, está en su salsa y consigue meterse al público en el bolsillo desde el prólogo. La secuencia en la que se lesionó es buena prueba de la dedicación que tiene a su trabajo y ver cómo completa su plano tras hacerse polvo la pierna como si no ocurriera nada es un ejemplo a seguir para todo actor. No hay truco: él se sigue jugando el físico en sus secuencias de riesgo, y está en una forma física propia de un atleta de alta competición, más que de un actor. Es grato ver eso en una pantalla tratándose de una estrella del cine de acción.

Pero dejando al margen el despliegue del protagonista hay otros factores en el reparto a tener en cuenta. El primero es lo bien que encaja en el conjunto la entrada de Henry Cavill. Parece que hubiera estado en la saga desde la primera entrega, y compone una pareja de acción con Cruise con buena química. Además los personajes de Ving Rhames y Simon Pegg reciben el homenaje y mérito que merecen y tienen un buen puñado de momentos de protagonismo propio para lucirse. Sin poner en cuestión el protagonismo de Cruise, podríamos decir que esta es la entrega más coral de toda la saga. Dicho sea de paso, es también una de las que mejor maneja la parte femenina de la misma, con cuatro mujeres dominando parcelas clave de la trama de manera nutritiva para todo el conjunto. Por cierto, si alguien se está preguntando si se echa de menos a Jeremy Renner, tengo que contestar que no. De hecho casi es mejor para el actor y para el equilibrio de fuerzas y protagonismos del reparto de esta entrega que no esté. Renner merece tener más papel del que ha tenido en las entregas anteriores, pero para ello tenemos un problema, y es que no hay metraje para desarrollar ese protagonismo. Para tenerle a un nivel de no desarrollo de su personaje, con participación meramente cosmética, es preferible que no esté presente. Y Alec Baldwin, que tiene poco papel, está perfecto dando un toque de estilo que completa y mejora el de todos sus antecedentes en ese mismo rol de jefe del departamento de misiones imposibles. Finalmente, en cuanto a las secuencias de acción, está tan bien servida como las entregas anteriores.

Miguel Juan Payán

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VENGADORES: LA GUERRA DEL INFINITO XXXXX

Revista ACCION 1807 JULIO 2018

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EN PORTADA:
ANT MAN Y LA AVISPA. Scott Lang vuelve a ponerse el traje de Hombre Hormiga para vivir una nueva aventura, pero en esta ocasión no estará solo cuando se meta en problemas. .

OTROS ESTRENOS: Mission Imposible: Fallout, Mamma Mía, Hotel Transilvania 3, El rascacielos, Oceans'8.

Reportaje: Superhéroes que vienen: El carrusel de las franquicias de superhéroes del cine nunca para y otros personajes llegan a relevar a los Vengadores y a Deadpool en la cartelera. .

CARTELMANÍA: Antihéroes salvando el día
El estreno de El rascacielos, la última muestra de argumento clonado de la filmografía de Dwayne la Roca Johnson nos pone a tiro dar un repaso a Jungla de cristal y otros antihéroes apocalípticos llamados a “salvar el día”.
Aeropuerto 75 (1974), Alerta máxima (1992), El asalto de los hombres pájaro (1976), El coloso en llamas (1974), El diablo a las cuatro (1961), Jungla de cristal (1988), Montaña rusa (1977), Speed: Máxima potencia (1994)

CARTELMANÍA Grandes películas de cine de terror (XXIV parte)
Empezamos el recorrido del terror del mes con una de las historias de fantasmas sin las que es imposible imaginar el cine asiático que tantos sobresaltos ha generado desde finales de los noventa: Ju-on…
Alta tensión (2003), Guardianes de la noche (2004), Hellboy (2004), La casa de los mil cadáveres (2003), La maldición (2002), Llamada perdida (2003), Romasanta (2004), Saw (2004)

SERIES TV.

Reportaje: Luke Cage Temporada 2 Como os contamos hace unos meses, viajamos nuevamente a Nueva York, a Brooklyn, para visitar el set de rodaje de la segunda temporada de Luke Cage, la serie de Marvel que desde el 22 de junio podemos disfrutar en Netflix, y que recupera la historia de la primera temporada y los hechos vistos en The Defenders, además de la localización en Harlem. Una visita exclusiva en España para ACCIÓN, en la que pudimos recorrer los decorados más importantes de la serie y además hablar con sus principales responsables para entender qué podemos esperar en esta segunda temporada que también hemos podido ver con antelación…

Entrevista: Mike Colter Ha sido un largo día en el set de rodaje. Tras una visita completa y conocer a todos los responsables de la serie, llega la hora de hablar con su gran héroe, Luke Cage en persona. El día ha sido agotador y para el protagonista todavía quedan varias horas antes de poder irse a casa. Pero se nota lo mucho que le importan la serie y el personaje. Pese al cansancio nos habla con locuacidad y con profundidad sobre la serie, sobre lo que nos espera y el camino recorrido hasta ahora, con mucho sentido del humor y bastante humildad, algo que no siempre sucede. Y lo hace en esta entrevista en exclusiva en España para ACCIÓN.

Reportaje: Capa y Puñal La nueva serie de Marvel, se estrena en Freeform. Es un primer paso para el canal antes conocido como ABC Family, que la ha tenido en preparación siete años antes de poder verla en las pantallas. Una serie que, siendo Freeform, apuesta por una temática adolescente, pero no cae en otros tópicos de la cadena, sino que nos ofrece algo distinto dentro del universo Marvel que ya conocemos, algo más cercano a Runaways que a Agentes de SHIELD, y algo que sin duda tiene mucha personalidad. Recupera, además, a dos personajes no muy conocidos del universo Marvel… Capa y Puñal.

Entrevista: Aura Garrido Nos comenta nada más empezar que está resfriada, y pese a ello sigue siendo un placer entrevistarla no solo porque es uno de los mejores talentos jóvenes de nuestro cine, sino porque además es capaz de armar siempre un diálogo lleno de referencias y detalles interesantes. Aura Garrido estrena la serie de Mariano Barroso, El día de mañana, una historia de la España de los sesenta y setenta centrada en Barcelona y en el personaje de Justo Gil y la gente que le rodea. La actriz interpreta a una de las principales personas con las que se cruzó Justo, y de su personaje y de la serie nos habla. Pero también de la nueva dirección de la televisión en España… desplegando como siempre un conocimiento y gusto exquisitos. p>

FICHAS ACTORES TV:
Rami Malek, Molly Parker, Parker Posey, Christian Slater.

FICHA SERIES DE TV: Scandal

COLECCIONABLE ESTRELLAS DEL CINE
Dorothy Malone
Dorothy Eloise Maloney, para los amigos del cine Dorothy Malone, nació en Chicago el 29 de enero de 1924, y falleció el 19 del mes de enero de 2018 en Dallas, Texas, por causas naturales. Medía 1,68 metros de estatura, pero fue una de las estrellas con más presencia ante la cámara desde que empezara a ganar mayor protagonismo en su filmografía a finales de los años cuarenta, tras pasarse una temporada en el habitual circuito de trabajos de figurante en varios largos y cortometrajes sin conseguir aparecer en los créditos, como caracteriza el arranque profesional de muchos de los que luego llegaron a ser estrellas del cine. De hecho, pasó por trece años de trabajo en el cine y numerosos papeles secundarios y producciones de serie B antes de conseguir que la ficharan para el papel con el que iba a alcanzar el mayor éxito de toda su carrera, Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel como Marylee Hadley en Escrito sobre el viento (1956), dirigida por Douglas Sirk, maestro del melodrama, y coprotagonizada por Rock Hudson, Robert Stack y Lauren Bacall. Basada en la novela de Robert Wilder, la película fue la mejor de su realizador y también una de las mejores en las carreras de cualquiera de sus cuatro protagonistas, lo cual es mucho decir considerando los nombres implicados en el reparto.

SECCIONES FIJAS

16 FICHAS CRÍTICAS
Basada en hechos reales, Borg / McEnroe, Deadpool 2, Disobedience, El doctor de la felicidad, Entre sombras, Fahrenheit 451, Hacerse mayor y otros problemas, Han Solo, Hannah, La chica en la niebla, Los extraños, Lu Over The Wall, Night is Short Walk on Girl, Tully, Verdad o reto

4 FICHAS CINE CLÁSICO ESPAÑOL.
El crimen del cine oriente (1997), Se buscan fullmontis (1999) Posición avanzada (1964), Soldadito español (1988)

FICHA ACTOR: Sam Shepard

PELÍCULA MÍTICA: Máximo riesgo (1993).

FICHAS SERIES TV : Dawson Crece (T1), Gossip Girl (T1), Mr. Robot (T1), The OC (T1)

OTRAS SECCIONES
Noticias, Correo del lector, Mundo fantástico, Novedades DVD

8 POSTERS GIGANTES
Ant-Man y la Avispa, Capa y puñal, Mission impossible: Fallout, Hotel Transilvania 3, Mamma Mia: Una y otra vez, Luke Cage, Jurassic World 2: IMAX, El Padrino


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Crítica de la película Kingsman: El Círculo de Oro

Potente secuela, divertida y llena de acción, que sin embargo no logra sorprender. Es una opción deliberada del equipo creativo de la película, Matthew Vaughn y su coguionista habitual, Jane Goldman, una opción sin duda inteligente. Dar a la audiencia aquello que en la primera parte funcionaba, aquello que más les gustó y que les hizo llenar las salas de cine la primera vez. A mayor escala, con más reparto, con más vistosidad y efectos visuales. Crecer en esa dirección. Pero dejando de lado algo que hizo la primera película distinta al resto. Era sorprendente. Nadie se la esperaba, nadie la imaginaba así, nadie creía que una escena como la de la Iglesia era posible. No era lo típico, ni siquiera en el tema de la sátira. Kingsman tomaba lo que ofrecía el cine de espías, especialmente la saga de James Bond, y lo retorcía para adaptarlo a un público moderno, dotándolo de un brillante sentido del humor gamberro, unos personajes pasados de vueltas y esperpénticos que se mofaban de los arquetipos del cine de espías, bastante sangre y un tono distinto también en lo visual, que empleaba para las escenas de acción el plano secuencia como no habíamos visto antes.

La película, como todos sabemos, funcionó en la taquilla y ha ido ganando seguidores con el paso del tiempo, hace apenas tres años que se estrenó, lo que nos ha llevado a una secuela, donde las apuestas suben, por supuesto. Se espera que repita al menos el éxito de su predecesora, o que lo supere si puede, y que además consiga contentar a los fans de aquella, los que la vieron en cine y los que no. Para ello repite el equipo creativo, Vaughn y Goldman, y gran parte del reparto, pero además cuenta con un presupuesto más holgado que permite viajar por medio mundo (en la ficción, obviamente) y mayores escenas de acción, por no mencionar de un reparto más amplio y con más rostros conocidos, sobre todo teniendo en cuenta que vamos a conocer a la contrapartida americana de los Kingsman, los Statesman, que en lugar de una sastrería tiene como tapadera una destilería de burbon en Kentucky. Y con todo eso además de repetir Colin Firth, Mark Strong, Sophie Cookson y, por supuesto, Taron Egerton, el protagonista, se suman los nombres de Julianne Moore, la villana, Channing Tatum, Pedro Pascal, Jeff Bridges, Michael Gambon, Halle Berry y un cameo de Elton John verdaderamente memorable.

Crítica de la película Operación U.N.C.L.E. de Guy Ritchie con Henry Cavill

Homenaje al género de espionaje y aventuras de la primera era dorada de la televisión.

Guy Ritchie le saca partido a la nostalgia en esta adaptación de la serie que en España conocimos como El hombre de C.I.P.O.L., cuyo tono sesentero escapista es quizá la máxima seña de identidad de este largometraje en el que el director de películas como Lock & Stock, Snatch: cerdos y diamantes, RocknRolla y los dos largometrajes de Sherlock Holmes protagonizados por Robert Downey Jr. y Jude Law se queda por debajo de las posibilidades que le ofrecía el material que tenía entre manos, o al menos por debajo de lo conseguido en todos esos títulos citados. Tampoco es que podamos decir que Operación UNCLE es un título “menor” dentro de la irregular filmografía de Ritchie, pero lo que sí está claro es que en todos esos títulos estaba mejor respaldado por su reparto. O dicho de otro modo: que parte del gancho de su cine está en un tanto por ciento muy elevado en los actores con los que cuenta para contar sus historias. Por ejemplo en esta película las contribuciones  breves, escasas incluso, de los mal aprovechados Jared Harris y Hugh Grant, le proporcionan un gancho a sus secuencias que está por encima del rendimiento del trío protagonista. Y, ojo, no es que Henry Cavill, Armie Hammer o Alicia Vikander sean actores flojos o estén mal en el largometraje. Mi impresión es que Ritchie no les saca todo el partido que podría sacarles, porque, equivocadamente guiado por el tono, el ritmo y la forma de concebir los personajes en la serie original, aplica una fórmula similar y no llega a profundizar en ninguna de sus criaturas, ni en las situaciones, ni en los conflictos. Todo tiene un tono muy de serie sesentera floja y superficial, con personajes que son poco más que bocetos o recortables; a pesar de que tenemos un montón de información sobre ellos, esa información se desperdicia porque no da lugar a personajes sólidos, sino a estereotipos. Era un defecto muy propio de las series sesenteras que curiosamente, en su afán por mantener ese tono de inocencia e ingenuidad superficial, ha ejercido ya como lastre en otras adaptaciones al cine. Ejemplo ilustrativo de ello son Los vengadores, dirigida en 1998 por Jeremiah Chechik y Wild Wild West, que puso en pantalla en 1999 Barry Sonnenfeld. Operación UNCLE es notablemente superior a las dos, es mucho mejor, ojo, pero no obstante cojea de ese mismo homenaje que se convierte en pleitesía frente a la serie original, así que le sobra ingenuidad y le falta la insolencia que constituye la mejor característica del cine de Guy Ritchie. Para ganar en el terreno de la insolencia necesitaba a actores capaces de aportar másgarra a sus personajes, o lo que es lo mismo: una capacidad para completar lo que le falta al guión y al tono general de la película. Piensen por ejemplo en lo que hizo Brad Pitt con su personaje de gitano incomprensible en Snatch, o en ese dúo cómico salvaje de Gerard Butler y Tom Hardy en RocknRolla, o en Jason Statham y Jason Flemyng en Lock and Stock, o en Robert Downey Jr. y Jude Law en las dos películas de Sherlock Holmes firmadas por Guy Ritchie. Para que quede más claro: Alicia Vikander es una buena actriz, pero todavía no es capaz de hacer lo que es capaz de hacer Rachel McAdams. A modo de prueba, imaginen a McAdams en el papel de Vikander en esta película y es posible que entiendan mejor lo que quiero decir. No veo la química que debería haber entre Cavill y Hammer y que está en otros dúos y grupos masculinos del cine de Ritchie.

Miguel Juan Payán

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Crítica de la película Mad Max: Furia en la carretera

Mad Max furia en la carretera recupera y supera todo lo bueno de Mad Max el guerrero de la carretera. La mejor entrega de la franquicia.

Dos horas de persecuciones imparables y plenas de imaginación. Hemos tenido que esperar unos cuantos años, pero la espera ha merecido la pena: finalmente tenemos en la cartelera una digna heredera de la mejor película de la saga del loco Max, y descartando fatuos y oportunistas arrebatos de nostalgia ochentera que ademas cada vez me parecen más fruto del postureo generacional friqui, lo cierto es que teniendo las más mínimas dosis de sentido común no creo que nadie pueda discutirle a e este trepidante, espectacular y muy oportuno ejercicio de puesta al día de la franquicia cualidades que mejoran la película que toma como referencia principal, la segunda de la trilogía original, aunque en algunos momentos hace guiños a la primera, con ese antagonista de la misma tuneado para la ocasión, e incluso a la tercera, ese fallido ejercicio de lo que pudo ser y no fue, o de lo que solo era realmente Mad Max en su primera parte. Ya el hecho de que Miller haya ido directamente a buscar referente estético y argumetal en la segunda de Mad Max es toda una declaración de principios y hasta una disculpa por lo que hizo en la tercera. Rectificar es de sabios. Pero es que además, con te comentado al principio, creo que mejora algunos aspectos de aquella película. La segunda de Mad Max siempre me ha parecido casi perfecta en su astuto ejercicio de renovación de las claves del western y cruce de las mismas con la ciencia ficción de tono apocalíptico, pero era muy parca en su anécdota argumental. Lo positivo de eso es que te quedaban ganas de ver más. Y ese "más" está ahora en Mad Max furia en la carretera. De hecho ese "más" tiene nombre propio: Charlize Theron. Como digo siempre, cualquier cosa es mejor con mujeres. Y cuanto más completas y resolutivas por sí mismas sean dichas mujeres, mucho más divertido todo. Theron ya por sí misma demuestra aquí, otra vez, que se basta ella solitario para sostener lo que haga falta en una pantalla grande que ademas George Miller agiganta con su peculiar estilo de entender y filmar el cine de acción. Más claro: a mí Theron ya me vale ella solita como variante femenina de Max Rockatansky. Además mis ojos disfrutan más, no voy a negarlo. Por otra parte su personaje introduce en la trama nuevas claves que ampliando el arco de posibilidades dramáticas. Para que quede todavía más claro, George Miller ha hecho aquí lo que quiso hacer y no supo o no pudo hacer Sam Raimi con Sharon Stone y el espagueti western en Rápida y mortal (1995). La diferencia es que Miller trata a Theron y su personaje con más respeto y le da más sentido y contenido que el que le proporcionó Raimi a Stone, que a pesar de las apariencias en esa película era sólo una cáscara decorativa en una trama eminentemente masculina que se repartieron Gene Hackman, Russell Crowe y Leonardo Di Caprio.

Y así llegamos al otro punto fuerte de Mad Max furia en la carretera: Tom Hardy. Si había alguien capaz de estar a la altura de Mel Gibson en las originales era él. Este tipo es una máquina. Intenten ver la película en versión original porque la voz de este actor es única. Si hace un tiempo me hubieran preguntado quien podría heredar el personaje de Max Rockatansky de manera competente habría dicho que Russell Crowe, pero hoy sin duda es mejor Hardy, que con todos mis respetos para el de Gladiator me parece un actor mas completo, capaz de ir más a fondo con el personaje incluso en un vehículo de acción trepidante como el que nos ocupa. Creo que Hardy aporta a Max más matices y una personalidad diferente de la que propusiera Gibson. Hardy no se limita a tunear a Max para a actualizarlo y darle algún toquecillo personal. Hace mucho más. Hace que el personaje crezca, y sin faltar al respeto o renegar de su precedente, algo que no es nada fácil, especialmente teniendo en cuenta que dicha precedente es un icono de la cultura popular. Afirman los rumores que Hardy quiere interpretar al Castigador de la Marvel, y después deber Mad Max furia en la carretera no se me ocurre mejor actor para darle a ese personaje todo lo que merece en la pantalla grande, todo lo que hasta ahora no han conseguido darle ni Dolph Lundgren, ni Thomas Jane, ni Ray Stevenson.

El tercer punto a favor de MadMax furia en la carretera es su capacidad para hacer la evolución desde la personalidad más cercana a la serie b de las dos primeras películas de la trilogía original hasta el producto de era blockbuster que ahora se presenta en la cartelera. Esa evolución quedó fatalmente truncada en Mad Max III porque Miller hizo una serie de concesiones de cara a la galería que desvirtuaban el espíritu de las dos primeras películas, pero en Mad Max furia en la carretera ha sabido gestionar mucho mejor esa evolución hacia lo comercial sin perder por el camino todo lo que perdió en Mad Max III, y además nos propone algo distinto, más sólido y coherente.

Quiero ver más entregas de esta franquicia, y con eso creo que ya está dicho todo. El tope son cinco estrellas pero por diversión y entretenimiento sólido y coherente merece seis.

Miguel Juan Payan

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Crítica de la película Fast and Furious 7

Más espectacular que las anteriores, pero también más floja de ritmo y repetitiva.

La última entrega de la saga de Fast and Furious parece empeñada en superarse a sí misma y a sus antecesoras en un reto que la lleva a apuntarse algunos tantos a favor y algunos  tantos en contra.

A favor tiene una sucesión de secuencias de acción que consiguen darle una nueva dimensión al término “espectacular” en la saga. No hay opción alguna para aburrirse viendo la película porque es un encadenado de secuencias de acción empeñadas en redefinir el término de “más difícil todavía”. El propio guión de la película bromea sobre ello con esa secuencia en la que O´Conner (Paul Walker) le dice a su hijo que los coches no vuelan . Es un anticipo de los alardes visuales y la suspensión de la credibilidad que nos espera en el resto del relato.

A favor tiene igualmente las peleas cuerpo a cuerpo, que son mejores que las de la película anterior. Fast and Furious 7 saca más partido a la contribución en las secuencias de puñetazo y patada del protagonista de Ong Bak, Tony Jaa, y de la aportación de Ronda Rousey, que en mi opinión está mejor explotada en pantalla que la que hiciera en la película anterior Gina Carano. Eso lo han cuidado más. Y nadie podrá ponerle pegas al plato fuerte de esta entrega, que navega a medio camino entre una de Misión imposible y otra de James Bond, con toque al estilo de Los Mercenarios.  Tal y como era totalmente previsible, la acción es el mejor elemento de esta séptima entrega, capaz de ganarse al público incondicional de la saga, desde la primera pelea de Statham con uno de los integrantes de la misma hasta la última.

Sin embargo es significativo que Jason Statham sea el personaje más interesante de esta séptima película, en su papel como villano incuestionable, amenaza temible que es algo repetitiva en sus recursos (me refiero a que sus enfrentamientos con la familia Toretto acaban siempre con un algo repetitivo ¡¡¡ Kabooom !!!, la explosión como  medio expresivo algo reiterativo en esta entrega). Creo que el personaje de Statham merecía más tiempo de metraje y más imaginación en sus duelos con la banda Toretto. No obstante lo cual, Statham es, a mi parecer, lo mejor de esta séptima película, que ayuda a arrancar con ese principio al estilo de Transporter, macarruzo y perdonavidas, que encaja a la perfección en el “Mundo Toretto” y presta un buen juego en este momento clave de la serie en el que ésta debe empezar a buscar nuevos recursos para mantener el aliento ante el lógico agotamiento de sus claves primordiales.

Pero como digo resulta significativo que Statham sea el elemento más interesante de esta nueva entrega. Afirmando eso quiero decir que se percibe un lógico pero no por ello menos llamativo agotamiento de los personajes y situaciones habituales de la saga Fast and Furious, cuyos responsables afirman no obstante que están pensando en hacer de esta película el arranque de una nueva trilogía. Ese  agotamiento se hace notar especialmente en el intento por dotar al guión de diálogos. Si en lo referido a la acción la película cumple sin problemas, en lo referido a los diálogos y las subtramas, Fast and Furious hace aguas por varios orificios en su línea de flotación. Para empezar su guión es flojo, la incorporación del personaje de Kurt Russell no está a la altura del mismo tipo de fórmula de asociación de estrellas que aplica por ejemplo la saga de Los Mercenarios. Por otra parte la subtrama de pérdida de memoria y enlace sentimental conToretto del personaje de Lety suena muy falsa, es muy “love story made in polígoneros”, y no se la cree nadie. Está metida con calzador y mal resuelta con unos flashbacks que no encajan in en tono ni en nada con el tono y el ritmo del resto de la película. Ocurre lo mismo con esas escenas hogareñas de O´Conner y su “churri”. Absolutamente intratables. La saga de Fast and Furious siempre ha hecho aguas por esa parte de “yo no tengo amigos, tengo familia”, que pregona el personaje de Toretto interpretado por Vin Diesel y que no se cree nadie que no esté hasta arriba de psicotrópicos. De hecho, sospecho que ese tipo de consigna sólo es digerible junto con un camión de pastillas de éxtasis asociado a esa música de la banda sonora que no deja de recordarme la banda sonora de los programas más cutres de “reality show” de la cadena televisiva Tele 5. El rollete “familiar” que se traen estos prójimos nunca ha colado, y aquí ver a O´Conner peleándose con un monovolumen o aguantar esa escena de boda metida con calzador en un flashback digno de culebrón televisivo es particularmente hiriente. Testimonia esa falsa premisa de “tipos duros pero familiares” que es el peor lastre de la saga. Lástima que no le hayan echado más narices al asunto y resulte que estos tipos son realmente gente fuera de la ley, y no forajidos domesticados que trabajan para el gobierno y quieren formar familias, o lo que es lo mismo, “malotes” de postal adictos al postureo. Hay mucho postureo visual en toda la película, y aunque nos resulta entretenido y por tanto lo acepto con gusto para pasar el rato, no deja de resultar crispante esa ambigüedad en algunos momentos. Para que quede más claro recomiendo repaso al artículo de antecedentes e influencias de la saga de Fast and Furious que he publicado en la edición en papel de la revista Acción, que puede revelar mejor a qué me refiero cuando aludo a esa contradicción y esa ambigüedad en la saga que nos ocupa. En teoría nos vende un relato de forajidos pero nos los domestican cada vez más (esas escenitas playeras finales, esos rayitos de sol con niño correteando entre la arena con sus papás, esa boda digna de “chonilandia”…).

Total, que la película es espectacular y entretenida, pero empieza a fallar de ritmo después del encuentro con Statham comiendo y sacándole la anilla a una granada, que la acumulación de secuencias de acción se hace algo agotadora,  y que si alguien quiere tener todavía más claro a qué me refiero puede mirarse la manera de tratar un guión plagado de acción, personajes y más acción en Los Vengadores o Capitán América: el soldado de invierno para comprobar que sólo con acumular secuencias de acción espectaculares no se mantiene un buen ritmo o un buen pulso de la acción en una película… de acción.

Miguel Juan Payán

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Crítica de la película El séptimo hijo

Divertida propuesta de cine fantástico al estilo Percy Jackson. Evasion y aventura para toda la familia.

Mejor que Hansel y Gretel, cazadores de brujas, y en una línea de aventuras con monstruos al estilo de las aventuras de Percy Jackson, el ladrón del rayo y demás, El séptimo hijo tiene todo el aire de esas aventuras de Simbad el Marino que cocinaba Ray Harryhausen con sus monstruos legendarios para adornar las navidades de los jóvenes aficionados al cine hace tres o cuatro décadas. Mezclando elementos del género de terror con los de las historias de espada y brujería, a ratos resulta incluso cercana a los paisajes de las aventuras de Conan el Bárbaro o Solomon Kane. Tiene además a su favor la contribución en los papeles de maestro del héroe y principal antagonista a dos pesos pesados de la interpretación que animan con su trabajo un argumento que peca de previsible y algo monótono en sus distintas fases del relato, pero bien interpretado y adornado con las criaturas creadas por JohnDykstra, resulta mucho más trepidante y divertido de lo que muchos nos esperábamos. Jeff Bridges en el papel del cazador de brujas que entrena al héroe hace una competente mezcla del Rooster Cogburn que interpretó a las órdenes de los hermanos Coen en Valor de ley y el clásico personaje tipo Obi Wan Kenobi de Star Wars o Gandalf de El señor de los anillos y El hobbit, y le añade un sentido del humor que acompaña la narración desde el primer momento haciéndola más digerible y amena. Dicho sea de paso, el esquema argumental de todo el asunto presenta, sobre todo en su principio, un parentesco mucho más que casual con la fórmula de Star Wars (la escena de la pelea en la taberna es un buen ejemplo de ello, si bien no el único). La parte del villano, villana en este caso, está muy bien servida por Julianne Moore, que para mi gusto supera en su encarnación de la pérfida reina bruja los intentos similares desplegados en fecha reciente por Charlize Theron en Blancanieves y la leyenda del cazador y Angelina Jolie en Maléfica, películas de las que también recibe algunas influencias esta que nos ocupa. Todas las comparaciones son odiosas y estamos hablando de tres de las mejores actrices de nuestros tiempos, pero lo cierto es que el trabajo de construcción del personaje que hace Julianne Moore supera, al menos en mi opinión, al que hicieron en su momento las otras dos, y por supuesto está mucho mejor que el que hiciera otra de mis féminas favoritas pero no obstante menos atinada, Famke Janssen en Hansel y Gretel

Otra ventaja es que la inevitable subtrama romántica no lastra el desarrollo de la trama aventurera central, y además los protagonistas de la misma me resultan mucho menos empalagosos que los de otros intentos similares extraídos de las novelas juveniles que se estilan en nuestros días como fuente de inspiración para el cine. Esperaba más leña por ese lado, pero me ha sorprendido ver la sobriedad y rapidez con el que solventan ese asunto para mantener en primer término siempre el código de aventuras, dejando el romance propiamente dicho en un segundo término.

Conclusión: una muy recomendable película de entretenimiento, evasión y aventuras para toda la familia, con cierto puntito siniestro que quizá inquiete a los más pequeños de la casa pero no a cualquier chaval adicto a los videojuegos o amiguete de las películas con monstruo.

Miguel Juan Payán

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Crítica de la película Exodus: Dioses y reyes

Más sólida y madura que Gladiator aunque también más fría.

Espectacular y muy bien dirigida, esta versión de la trama de Moisés que ya conocemos se enfrenta al reto de encontrar su propia personalidad más allá de todos los estereotipos e imágenes asumidas por un público que además tiene en la cabeza su propia versión de la historia que Ridley Scott pretende contarnos. Entran ademas en juego todo tipo de idealizaciones y prejuicios a favor o en contra de la vertiente mítica o religiosa incorporada al relato. Añadan a todo eso que si usted cree en Dios, o en cualquier equivalente de entidad creadora supranatural seguramente tendrá su propia imagen del mismo, lo cual complica mucho más todo el asunto porque obviamente Scott no puede tirar a estas alturas de la versión pirotécnica que aplicara a este mismo tema Cecil B. de Mille en Los diez mandamientos. No es viable y no puede funcionar, por mucho que todos sigamos recordando aquella versión del tema que vimos siendo niños o muy jóvenes y recordemos al impresionante Charlton Heston abriendo las aguas con su bastón. Esta es otra época, otro público mucho más escéptico y encima adicto a los documentales de recreación histórica de Nacional Geographic. Scott sale de todo este lío connota alta, pero para ello ya tenido que rebajar el tono épico que caracterizada Gladiator y buscar su camino hacia una mayor verosimilitud de la propuesta trabajando sobre actores y equilibrando muy bien los fragmentos épicos de batalla, plagas y prodigios varios con lo que realmente le interesa, que es el reto de creer o no creer, el sacrificio doble del héroe que alejado de su familia adoptiva egipcia, de su esposa y de su hijo, y convertido en líder de un pueblo al que en realidad no conoce para obedecer a un Dios al que no acaba de entender y con el que suele discutir amargamente. Creo que Christian Bale defiende muy bien ese papel incluso en los momentos más delicados por todo lo que he enumerado al principio, otro tanto se puede decir de su antagonista, un Ramses que a ratos se da cierto aire a Russell Crowe y al que Scott humaniza eficazmente a través de sus miedos con una escena que demuestra su notable talento como director, el faraón que intenta combatir la oscuridad encendiendo antorchas en un desesperado intento de proteger a su hijo. Scott maneja bien la elipsis, impone lo visual sobre lo verbal, y a cierta en muchas cosas, por ejemplo imponiendo un protagonismo del paisaje que me ya recordado Lawrence de Arabia, de David Lean. Pero falla en otras. No llega a desarrollar lo suficiente ningún personaje salvo Moisés y Ramses. Desperdicia a Sigourney Weaver. Y en su persecución de la credibilidad renuncia en exceso a lo épico, algo que ya le ocurrió en El reino de los cielos. Esta película es no obstante mejor que aquélla y mejor que Robin Hood. Y una vez más Scott reina en lo visual.

Miguel Juan Payán

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