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En unas cifras cercanas a lo esperado se ha movido el regreso de Depredador, uno de los alienígenas más importantes de la historia del cine, a la gran pantalla, marcando un buen estreno, pero nada espectacular. Que sea suficiente para que el personaje continúe con nosotros un tiempo dependerá de su segundo fin de semana, del boca a boca y cómo aguante, y de la taquilla internacional, donde ya en su estreno la película ha recaudado más que en Estados Unidos. The Predator llegaba con la vitola de ser la forma correcta de resucitar al personaje, y en gran medida lo ha sido, porque ha conseguido hacer evolucionar en cierta medida a la franquicia que estaba ya bastante agotada. Shane Black, ligado a la saga desde el principio, es el director y guionista encargado de que esta película haya interesado a la audiencia, y los 24 millones de dólares que la película ha recaudado en su estreno, son en gran medida debido al ruido que se ha hecho con la vuelta de Shane Black a la saga a la que llegó como actor en la primera película…

Crítica de la película Milla 22

Recomendada para adictos al buen cine de acción con Iko Uwais, protagonista de The Raid .

Peter Berg ha vuelto a demostrar con este trabajo por qué es uno de los directores más eficaces del actual cine de intriga que en sus películas siempre acaba mutando espectacularmente en estallido visual de acción.

El tándem formado por Berg con el actor -desdoblado en productor- Mark Wahlberg muestra aquí nuevamente que ambos forman una de las maquinarias mejor engrasadas del cine comercial de nuestros días.

Wahlberg defiende el asunto delante de las cámaras con la misma solvencia que Berg detrás de las mismas, y además respalda como productor esta hábil absorción de claves del cine de acción más exóticas como la que ha propuesto Gareth Evans con Iko Uwais como protagonista en The Raid (2011) y The Raid 2 (2014). Si el lector de estas líneas es aficionado al cine de acción y todavía no las ha visto, ya está tardando en salir disparado a buscarlas. Garantizo uno de los mejores ratos de reparto de tollinas de la historia del cine.

Volviendo a la película que nos ocupa, lo que me interesa destacar es que en Milla 22  la máquina Berg-Wahlberg -conviene empezara  pensar en ambos como entidad única de asociación creativa con unas claves de estilo bien definidas en sus películas El único superviviente (2013), Marea negra (2016) y Día de patriotas (2016)- no se ha limitado a replicar o copiar descaradamente lo propuesto por Gareth Evans en The Raid y The Raid 2, sino que simplemente han tomado de ambas aquello que les parecía más interesante para incorporarlo a su propia panoplia de recursos, intereses y estilo. Construyen así una intriga en evolución hacia lo trepidante y visualmente explosivo en la que podemos registrar las claves de su manera de entender y desarrollar este género que estaban ya presentes en sus colaboraciones anteriores, y cuyos orígenes pueden rastrearse hasta la mejor película de lo que podríamos denominar la primera etapa de iniciación en el género de Berg en solitario, La sombra del reino (2007). Dicho largometraje es un precedente muy claro de las aspiraciones del director y de una forma de entender el cine de acción e intriga que no ha podido poner en pantalla hasta que se cruzó con Mark Wahlberg en su doble papel como actor y productor. Por otra parte hay que tener en cuenta que esa asociación director-actor se forja sobre una comunidad de intereses en la forja de un tipo de producto de acción determinado que estaba también anticipada en la filmografía del propio Mark Wahlberg como actor con Shooter: el tirador (2007), dirigida por Antoine Fuqua, pero en mi opinión algo por debajo de todas las propuestas en esa misma línea que ha protagonizado el actor/productor a las órdenes de Berg.

Milla 22 encaja perfectamente en todo ese paisaje y filmografía compartida por Berg y Wahlberg, y además demuestra la intención clara de no quedarse estancados en el mismo tipo de historia y estar siempre atentos a los cambios que puedan operarse en la periferia del género en el que trabajan, lejos del barullo de repetición de esquemas, superhéroes franquiciados y serialización que impera actualmente en el cine comercial estadounidense.

Ese esa capacidad para ofrecernos un cine de acción, serio, muy trabajado en su guión y creación de personajes, bien respaldado por su reparto y notable por su manera de cruzar intriga y acción, lo que hace de Milla 22 una de las más recomendables propuestas del género que vamos a ver este año.

Cuenta además con el habitual ritmo trepidante y la solidez de los empeños Berg-Wahlberg, con un reparto en el que, como era previsible, brilla en la secuencias de acción y combate cuerpo a cuerpo Iko Uwais, con una espectacular Lauren Cohan repartiendo leña junto a la campeona de artes marciales Ronda Rousey, Sam Medina, al que vamos a ver también pronto en Alita: ángel de combate y Venom, como antagonista y John Malkovich en un papel breve pero donde tiene margen para imponer estilo y presencia.

Miguel Juan Payán

©accioncine 

[Video] Crítica de la película MATAR O MORIR: PEPPERMINT por Miguel Juan Payán y Jesús Usero

En 2012 y con tan solo 18 años, Ismael Prego (más conocido en las redes sociales como Wismichu) comenzó su andadura en Youtube con un pequeño canal en el que subía partidas de videojuegos. Seis años después cuenta con más de doce millones de seguidores, varios libros publicados y diversas giras de teatro realizadas por toda España junto con Auron Play. La fama alcanzada gracias a Youtube le ha valido para cumplir su sueño: rodar una película. “Para mi Youtube siempre ha sido un trampolín para poder ser cineasta y tras muchos videos subidos a esa plataforma, ha llegado el momento de debutar en el séptimo arte”, aclara Wismichu.

Crítica de la película I Love Dogs

Simpática comedia situacional protagonizada por perros y humanos, en la que al menos los canes no hablan y los actores bípedos no ladran.

Un grupo de mascotas y la relación con sus diferentes dueños y dueñas son los engranajes de esta película coral, con la que Ken Marino desarrolla su peculiar visión de una feel good movie; siempre pendiente de no abandonar el sincero y necesario mensaje de acabar de una vez por todas con el abandono de animales domésticos.

A modo de tramas superpuestas, el guion de I Love Dogs (Dogs Days, en Estados Unidos) sigue un esquema formal en el que los verdaderos protagonistas son los perros, más que sus despistadas familias. El travieso Charlie, el tímido Sam, la simpática Mable, la asustadiza Gertrude, y la enérgica Brandy son los canes a los que hace referencia el título con la palabra dogs; y que, con su expresividad y ocurrencias, llenan la pantalla con una atmósfera de contagiosa empatía generalizada.

Poco importa que los actores humanos queden desdibujados ante la explosión de gestualidad cuadrúpeda que inunda cada uno de los fotogramas, ya que los perros demuestran su generosidad al integrar el trabajo de sus compañeros men and women en medio de su despliegue de frescura y naturalidad. Ante semejantes armas de interpretación activa, los espectadores siguen con soltura las vicisitudes de Charlie y del caótico hermano de sus verdaderos dueños; los problemas de Sam para conseguir que su ama alcance el amor; la confusión de Mabel para decidir cuál es el hogar donde tiene que residir; los sueños de Gertrude para salir de las calles y dormir caliente; y la bondad de Brandy para establecer una amistad fuerte con Sam, y sacarle de su ostracismo y depresión.

Las expresiones y carantoñas de este grupo de animales domésticos consiguen borrar, o apagar en gran medida, el estrellato de colaboradores de la talla de Eva Longoria y Vanessa Hudgens; las cuales comparecen en un par de personajes que no alcanzan el lucimiento excesivo, por lo menos no por encima del de sus colegas con collar antiparásitos.

Pero este problema –consistente en el evidente desequilibrio argumental entre el peso humano y el canino- no es una pega que lastre la efectividad de la película ideada por Ken Marino, en la que funcionan los gags por la contundencia de una moraleja tan potente como la de compartir la existencia con el denominado mejor amigo del hombre. Un objetivo argumental, que el cineasta reitera en cada una de las historias que pueblan el metraje del filme; y que llenan su discurso de escenas cargadas con emotividad contagiosa.

Bajo tales premisas, Marino acierta también al no quedarse simplemente con el elemento triste y desangelado referente a los problemas de los perros en las ciudades; y resuelve las diferentes tramas con una fórmula de agradable factura sentimental, que provoca nostalgia y risas casi al mismo tiempo.

Esto hace que I Love Dogs encaje sin reservas en el género feel good, que tan buenos resultados está dando en el género del musical a nivel taquillero.

Jesús Martín

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Crítica de la película Predator

Consigue lo que se propone: entretenimiento y evasión. Competente secuela del original.

Es la tercera mejor entrega de la serie tras Depredador y Depredador 2, al menos según mi opinión, y además consigue rendir homenaje a la original y al cine de los ochenta y sus disparates trepidantes para disfrute gamberro del género de aventuras y fantasía manteniendo el estilo que caracteriza las películas de su director.

Suficientemente sangrienta para no ser una farsa, es visualmente la más explícita de toda la saga, no ha hecho pacto para buscar calificación por edades más amplia, y eso es bueno, porque de ese modo, Shane Black puede soltarse la melena y hacer el tipo de entretenimiento para adultos que requiere esta saga.

Crítica de la película La Monja

Nueva e interesante entrega del universo Expediente Warren. Una entrega que a falta de un guión realmente novedoso o sorprendente, se apoya en dos factores igualmente válidos (y eso no quiere decir que el guión sea malo, es simplemente correcto), la dirección de Corin Hardy, responsable de la más que interesante The Hallow, y poner al frente del reparto a dos actores de verdad, algo que era clave por ejemplo en el hecho de que funcionasen tan bien otras películas de terror de Warner, sean del universo Expediente Warren o no, como son Nunca Apagues la Luz, Annabelle: Creation, y las dos entregas centrales de la franquicia. Aquí son Taissa Farmiga y Demián Bichir los responsables de echarse a hombros la historia cuando la coherencia narrativa sale por la ventana.

Una monja aparece ahorcada en un convento en Rumanía a inicios de los 50, lo que hace que la Iglesia Católica envíe a un sacerdote (Bichir) y su joven aprendiz, una monja, (Taissa Farmiga) a investigar lo sucedido, lo que les enfrentará cara a cara con una fuerza demoníaca con aspecto de monja, a la que todos ya conocemos como Valak. Vaya por delante que es una película de terror completamente disfrutable en solitario, pero si ustedes han visto el resto de películas de este universo, se encontrarán con muchas referencias desde el prólogo de la historia hasta las imágenes finales. Es similar a Annabelle: Creation, cuando hablaban de una monja aterrorizando un convento en Rumanía. Y aunque esta película sucede antes de lo visto en Creation, hay que recordar que el prólogo de aquella sucede antes que lo visto en esta película…

Es decir, que James Wan y Warner Bros, están creando su propio universo de “superhéroes” pero con cine de terror, y eso da una coherencia narrativa a todas las historias que vemos, un patrón visual cortado a raíz de lo visto en las dos primeras entregas de Expediente Warren, que poco a poco cogen fuerza y establecen una coherencia visual, unas líneas de unión. Narrativamente cada película puede ser de su director y su guionista, pero tomando la perspectiva general, el diseño, las historias, la forma de contar la película, los demonios… todo tiene una clara coherencia narrativa (la presencia de las hermanas Farmiga, por supuesto). Aunque la película, como sucedía con la primera entrega de Annabelle, fuese un desastre. Que no es el caso.

Porque cuando la historia no sabe muy bien qué contar, o se enreda en un sinsentido (¿Por qué se separan para investigar SIEMPRE?), los actores, que son muy, muy buenos, sacan la trama hacia adelante. Y eso es algo que no todo el mundo puede decir, ni todo el cine de terror, tiene. A eso se añade que la película, llena de sustos, es cierto, sabe dónde colocarlos, y sabe ser ingeniosa con los mismos (aunque uno de los mejores, evidente homenaje a El Exorcista III, se lo cargue en los tráilers), y sabe proporcionar al público lo que busca con este tipo de cine. Una montaña rusa de emociones, de sustos bien trazados, de personajes que nos interesan (gracias a su reparto) y de quedarnos con la sensación de haber pasado un muy buen mal rato. Aunque olvidemos la película media hora después de haberla visto…

Jesús Usero

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14 DE SEPTIEMBRE EN CINES

Aprovechando el estreno de PREDATOR el 14 de septiembre podréis ganar una de los 5 packs formados por 5 packs formados por Imán + Llavero + Gorra

Desde lo más profundo del espacio exterior hasta las calles de una pequeña ciudad en las afueras. La caza vuelve a casa con la explosiva reinvención de la saga de Predator de Shane Black. Después de mejorar sus capacidades con ADN de otras especies, los cazadores más letales del universo son más fuertes, más inteligentes y más mortíferos que nunca. Cuando un chaval activa accidentalmente su regreso a la tierra, sólo un dispar grupo de exsoldados y una profesora de ciencias desencantada pueden evitar el fin de la raza humana. ¡14 de septiembre en cines!

Campeones representará a España en los Oscar

De esas veces que sales del cine y piensas “cuanto me alegraría que este peliculón llegase a los Oscar” y va y se convierte en realidad. Pues este es el caso de Campeones. Hacia tiempo que no lográbamos pasar el corte, la última película en llegar a la categoría de mejor película de lengua no inglesa desde nuestro país, fue Mar adentro en el 2005, pero entiendo perfectamente que La Academia, se haya tenido que rendir a esta historia de superación, en la que Javier Gutiérrez (Marco), se encarna en un entrenador profesional de baloncesto que por su prepotencia y falta de compromiso, está pasando por un mal momento: tiene problemas con su mujer, se pelea con su jefe en medio de un partido y “dos copitas” antes de coger el coche, le llevan a tener que cumplir servicios comunitarios entrenando un equipo de discapacitados. Pincha para leer más...

Crítica de la película Mary y la flor de la bruja

Precioso largometraje que se convierte en un buen debut para el Studio Ponoc

Tras la estela que dejó el Studio Ghibli con películas tan brillantes como La princesa Mononoke, El Viaje de Chiriro o El castillo Ambulante, el Studio Ponoc ha sido el encargado de coger el relevo, en cierta medida, hasta una fecha anterior a 2020 que será el estreno aún por confirmar del próximo trabajo de Miyazaki. Con esto no me refiero a que Ponoc sea el sustituto de Ghibli, sino que muchos de los ex trabajadores de éste son los que ahora están funcionando, en este nuevo estudio fundado en 2015, con varios largometrajes animados japoneses donde la animación, el colorido y la belleza recuerdan y son casi idénticos a los del estudio pausado hace unos años debido a la retirada del maestro Miyazaki, pero que reanudará sus proyectos muy pronto.

Centrémonos en la película; Como nombraba ya anteriormente, que un grupo de personas a cargo de un estudio tan famoso como Ghibli esté detrás de este film, hay que ir predispuesto a encontrarse un trabajo a la altura de los sus anteriores lanzamientos. ¿Cuál ha sido el resultado? Cumple con las expectativas, aunque, como en muchas ocasiones, hay un pero del que hablaré más adelante… La película tiene elementos realmente buenos, desde una calidad de animación brillante hasta una banda sonora aún mejor. Estos dos pueden ser posiblemente los puntos más fuertes del film, destacando unos temas musicales impresionantes y correctamente elegidos para cada momento y situación, añadiendo unos detalles artísticos y animados maravillosos y cuidados al detalle.

El pero viene cuando hablamos de la profundidad de la historia. Acostumbrados a una trama compleja, así como a unos personajes muy elaborados en el mundillo de la animación japonesa, no es lo que vais a encontrar aquí. Con esto no quiero decir que la historia o los personajes estén mal hechos ni nada parecido, sino que todo es más sencillo. Tiene claros y reconocibles elementos de otras películas de Ghibli, pero tanto la historia como los personajes tienen menos complejidad, quizás porque al tratarse de un nuevo estudio, han querido llegar a un público más variado para poder disfrutar de la película en familia. Y si ese es el caso, han conseguido su objetivo con creces, evitando situaciones enrevesadas que hagan de la película un rompecabezas. No han querido abusar del uso de personajes en escena ni en el resto de la película, dedicando más tiempo al diseño de estos y del paisaje que los rodea. Si que algún que otro personaje podía haberse desarrollado más o saberse algo de él, pero la película no necesitaba de algo así ya que todo está bien hilado y correcto para su perfecto entendimiento. El personaje protagonista, Mary, es todo amor y dulzura, os fascinará.

La duración del film es perfecta, ya que no existe la necesidad de alargar una historia que tiene claro su comienzo, nudo y desenlace, consiguiendo su director, Hiromasa Yonebayashi, un trabajo digno y realmente bueno, encantador por momentos y mágico como la historia que envuelve la película en sí. Sin lugar a dudas, se trata de una película que no podéis perderos y que os sacará una sonrisa al salir de la sala de cine.

Christian Mesa

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