Proyecto Salvación confirma el regreso del cine artesanal: Ryan Gosling, Phil Lord y Chris Miller apuestan por efectos prácticos, luz real y ambición visual.
Proyecto Salvación confirma el regreso del cine artesanal: ¿Por qué la soledad de Ryan Gosling en «Project Hail Mary» se siente más real que todo el CGI de la última década?
La nueva película de los brillantes Phil Lord y Chris Miller, Proyecto Salvación, ha sido un enorme éxito en todo el mundo, tanto de crítica como de público. Con un estilo visual muy personal y plagada de detalles que han conquistado a la audiencia, la película protagonizada por Ryan Gosling es la prueba viviente de que se puede hacer cine de calidad apoyándose en los efectos visuales y el CGI, pero sin dejar que devore la pantalla y se convierta en lo único importante de la misma. Una película visualmente impresionante que muestra que Hollywood puede volver a hacer cosas con mucha fuerza.
Más de 680 millones de dólares en todo el mundo es lo que ha acabado recaudando la nueva película de Phil Lord y Chris Miller. Proyecto Salvación llegó sin hacer ruido y se convirtió no sólo en uno de los grandes éxitos del año en la taquilla, sino también en la primera película estrenada en cines de Amazon Studios que arrasa en la misma, tras varios estrenos que no habían convencido al público. Su estilo visual maravilloso, su ritmo impecable, la interpretación de Ryan Gosling y, por supuesto, la presencia del gran personaje secundario Rocky, el alienígena que se suma a la aventura del protagonista, la han convertido en un fenómeno de masas y una película que no sólo no ha apostado por la moda de los remakes, las precuelas, las secuelas o el tan manido cine de superhéroes, sino que ha jugado la baza de crear un universo original basado en la novela de Andy Weir. Una de las claves ha sido el regreso a un cine más artesanal, más dependiente de efectos prácticos, iluminación dinámica, sets reales y una sensación de que todo lo que existe en pantalla es real y no sólo una creación del departamento de efectos visuales por ordenador de turno.
Esta forma de entender la producción audiovisual demuestra la importancia de saber integrar los avances técnicos con criterio y respeto al oficio. Como apunta Irene Garcés, cineasta, docente y responsable del área de másteres de cine en TAI, «en la formación actual resulta imprescindible abordar todo lo que rodea a las soft skills y la integración de la IA en los procesos de trabajo, desde un punto de vista respetuoso con la creatividad y la propiedad intelectual». El éxito de la película radica, precisamente, en ese equilibrio entre la innovación tecnológica y la identidad artística.
Es algo que no es nuevo, pero que comienza a tomar cada vez más fuerza. Ya en el pasado no tan lejano, Christopher Nolan apostó en su cine, y en particular en Interstellar, película con la que ésta tiene muchos paralelismos, por los efectos prácticos, la creación de decorados y la presencia física de las cosas. Estamos ante un momento en la industria audiovisual en la que el público empieza a sentirse agotado del exceso de CGI, de las iluminaciones planas y sin vida, del carácter impersonal de las historias que se cuentan, y Proyecto Salvación ha sido una vuelta a los orígenes. Y no porque haya evitado los efectos visuales, ni mucho menos, sino porque ha sabido combinarlos con la presencia física antes mencionada, con un trabajo impecable a la hora de rodar y a la hora de componer los planos y los escenarios de rodaje. Chris Miller ha declarado que no se usaron cromas para rodar la película y que los efectos visuales de la misma se emplearon para mostrar las escenas desde el exterior de la nave.
Otra de las grandes incorporaciones a la película fue por parte del trabajo de Greig Fraser, director de fotografía, junto a Paul Lambert, el responsable de efectos visuales. Ambos habían trabajado juntos en las dos primeras entregas de Dune, dirigidas por Denis Villeneuve, y ambos despreciaban el uso de cromas, pantallas verdes o azules, para la incorporación de efectos visuales, porque afectaban al resultado de la iluminación. Para esta película se usaron pantallas negras o grises en su lugar, lo que proporcionaba una iluminación en el set más natural que ayudaba al sentido de aislamiento y soledad del personaje central interpretado por Gosling. Kris Anka y Jesús Alonso Iglesias trabajaron en el departamento de arte, desarrollando los diseños de Rocky junto a los directores de la película, y fabricando una marioneta real que participó en la mayor parte de las secuencias de la película, aportándole al actor un compañero real y tangible, un cuerpo físico con el que interactuar en lugar de, simplemente, una creación por CGI que no fuese creíble ni le diese la enorme personalidad que ha tenido finalmente el personaje en pantalla empleando la mitad del tiempo una marioneta, la otra mitad efectos visuales. Un prodigio de la técnica y la creación artística que se ha manifestado en pantalla conquistando a los espectadores.
Este enfoque demuestra que el cine requiere de un esfuerzo colectivo brutal y realista, alejándose de visiones idílicas del set de rodaje. Al respecto, Irene Garcés recuerda que «los estudiantes a veces llegan con una idea romantizada, y a veces muy irreal, de lo que es hacer cine». Para la docente de TAI, el verdadero aprendizaje surge al aterrizar esa ilusión: «Empiezan a darse cuenta de que esta es una profesión muy seria cuando comprenden que para conseguir un buen resultado hay que trabajar mucho, que hacer cine no es solamente tener una vasta cultura cinematográfica y que no es suficiente con que “te guste mucho el cine». Y es ahí cuando, paradójicamente, empiezan a valorarlo y a disfrutarlo más».
Charles Wood, el diseñador de producción, trabajó en sets tangibles y reales que permitiesen simular la ausencia de gravedad durante el rodaje sin necesidad de emplear más efectos visuales de los necesarios. La creación de todo un universo no sólo en torno a la creación de un ordenador, sino a la hibridación, a la mezcla entre el trabajo de los distintos equipos para crear un cuadro, una pintura en movimiento que se apoyase en la tecnología sin olvidar nunca la creación estética y artística. El arte como cuna de todo el desarrollo, expuesto en un mundo táctil y físicamente real, palpable y plausible, creado en torno a un personaje abandonado en el espacio, y rematado por los efectos visuales. Esa hibridación a la que parece finalmente dirigirse la industria es una de las cosas que destacan del Grado en Cinematografía TAI, que ha abrazado este enfoque innovador.
Hay que aproximarse a las producciones de una forma multidisciplinar y con comprensión de todos los campos que rodean a la producción, y eso es lo que destaca en el área de Cinematografía de la Escuela TAI, donde se permite que los jóvenes directores de fotografía se preparen en un espacio que les permite colaborar con distintos aspectos de la producción de una forma orgánica y real, trabajando conjuntamente con los departamentos de Artes escénicas o Bellas Artes como en el caso de esta película. . A partir de esta inmersión práctica y creativa, los alumnos desarrollan competencias técnicas y de liderazgo, teniendo acceso además a certificaciones clave del sector en función de la especialidad. Respaldado por más de 800 acuerdos con la industria, TAI prepara a profesionales capaces de entender la luz desde su base artística para liderar las propuestas visuales más ambiciosas del cine contemporáneo.
El éxito de Proyecto Salvación pavimenta el futuro de la producción cinematográfica en una nueva dirección, donde la luz real, el mundo táctil y la inspiración artística basada en las Bellas Artes, importan más que los efectos visuales que han llegado a cansar a los espectadores de todo el mundo. El camino está ahí delante de los alumnos de TAI que saldrán perfectamente preparados para lo que este nuevo campo de juegos les tiene preparados. Una experiencia básica para todos ellos que dará pie a los mejores y más preparados profesionales del sector en muy poco tiempo.
Jesús Usero
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Proyecto Salvación confirma el regreso del cine artesanal
