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Crítica Vermin: La plaga película dirigida por Sébastien Vanicek con Finnegan Oldfield, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel, Théo Christine
Hora cuarenta de buen terror con metáfora social añadida.
De qué va Vermin: La plaga
Kaleb trapichea con zapatillas de marca y colecciona insectos vivos, y las dos cosas van a desatar el caos en el edificio del gueto en el que vive.
Crítica Vermin: La plaga
Articulada desde su principio en lo referido a lenguaje visual con el montaje como protagonista, esta producción francesa nos abre la puerta a un refrescante reencuentro con el terror como vehículo para poner en pantalla una reflexión sobre la sociedad de nuestro tiempo.
El terror como termómetro social, y no solo como mecánico ejemplo de sobrexplotación industrial, que es lo que más suele llegarnos a la cartelera. Pero, y esto es lo mejor, el terror recobrando así su forma más pura como reactivo desde el territorio del entretenimiento para desencadenar una visión más amplia e intensa de los claroscuros del mundo en el que vivimos por parte del espectador.
Todo eso lo hace la película sin pedantería, sin pretender ser más de lo que es, pero conociendo todo el potencial que tiene el género para ser herramienta de activación de cuestionamiento en su público.
Metáfora desde el caos
La radiografía social del gueto en el que el director desarrolla su trama está repleta de elementos con segundas lecturas de metáfora que además funcionan muy bien y a pleno rendimiento como herramientas para un suspense intenso muy bien manejado con un ritmo en la edición que evoluciona desde el montaje narrativo adquiriendo rápidamente características de montaje ideológico en su definición de personajes y conflictos. Lo hace jugando con el cambio de tamaño de plano, los juegos con el eje, los espacios, asentándose en sus intenciones en base a sea galería de referencias de doble sentido que protagonizan las arañas como agentes del caos que ponen en cuestión el falso orden en el que creen vivir los protagonistas, y por extensión, en el que creemos vivir los propios espectadores. Esa idea del elemento ajeno que se infiltra desde los lejanos paisajes desérticos hasta un edificio de viviendas en la gran ciudad, metáfora del gueto urbanita en el que sobrevive buena parte de la población occidental en perpetuo conflicto del centro acomodado y la periferia náufraga de servicios, seguridad, oportunidades, etcétera.
Las fases del horror
La alianza de la fuerza visual y la aracnofobia que en mayor o menor medida experimenta el espectador durante toda la película, construye un latigazo de intriga, sobre todo en la primera mitad del largometraje, cuando viajamos por una ejemplar definición y aplicación de las dos primeras etapas del modelo de las cuatro estaciones en el género de horror definido por John Clute en su libro El jardín crepuscular (Atisbos y Espesamiento). Confieso que hacía años que una película no me hacía saltar del susto y aquí hay dos escenas que lo han logrado con su envolvente manera de definir espacios y posición de personajes en el plano con un gran talento para conducirnos del suspense al terror y finalmente al susto.
En lo referido a terror la película puede aflojar algo al entrar en su tercer acto, cuando la amenaza se revela ya en toda su plenitud pasando a la fase de Trance, según la nomenclatura de Clute o Danza macabra en la nomenclatura que aplica a esa misma fase Stephen King, pero no importa, porque se precisamente entonces cuando el director revela sus cartas totalmente haciéndonos partícipes de sus intenciones desde el principio: elaborar una fábula de crítica social de la situación del gueto y el suburbio en las autocomplacientes sociedades occidentales que tienen a mirarse a sí mismas solo desde el centro urbano. El viejo debate y pulso entre centro y periferia, con todas las constantes de multiculturalidad impresas en la película y sus protagonistas desde el primer momento, quedan resumidas y explicadas como verdadero tema de este inquietante y plenamente canónico y divertido paseo por los códigos del cine de terror en su variante de película de plagas a través del enfrentamiento de los protagonistas con la policía, que inevitablemente remite a los conflictos que ha vivido Francia en fechas relativamente recientes.
La película se por todo ello un buen combinado de evasión a través del terror y de un humor capaz de reírse de su propia premisa argumental a través de algunos diálogos que definen a sus personajes desde el exceso de orgullo, subtema de la película enlazado con las visiones de centro y periferia -el diálogo de Alí Express o de las zapatillas y el nombre del personaje-, al mismo tiempo que proporciona en el momento más adecuado para su desarrollo una dosis de reflexión y contenido completada con un desenlace que es toda una declaración de principios en una fase final, el Después del modelo de Clute, que posee un punto inquietante.
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Navega con fluidez entre El odio (Mathieu Kassovitz, 1995) y las pesadillas del primer David Cronenberg en Vinieron de dentro de… (1975) y Rabia (1977), y a su lado Aracnofobia (Frank Marshall, 1990) es un juego de niños.
Miguel Juan Payán
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