Rodar esta película ha sido como hacer tres películas en una”, afirmó el director Eugenio Mira (The Birthday, Agnosia), en una charla con periodistas y aficionados que asistimos ayer por la tarde a un pase de Grand Piano, película que produce Rodrigo Cortés (Buried, Luces rojas) y que se ha ganado el respaldo de la crítica y los espectadores que han tenido la oportunidad de verla por su excelente construcción de una intriga en la línea de los clásicos del suspense de Alfred Hitchcock.
Mi relación con Eugenio es sobre todo de admiración –apuntó Cortés para introducir la presentación de la película-. Le conocí con su primer corto, Fade, una película con un trabajo visual estupendo que estaba muy lejos de lo que se estaba haciendo en ese momento, muy spielbergiano en su imagen, pero todo transmutado a través de esa sensibilidad que está dialogando en su cabeza constantemente creando universos completamente distintos. Todo eso se confirmó con su primera película, The Birthday, una auténtica locura que hizo con Corey Feldman hace algunos años, con una propuesta de diseño, de manejo de la cámara y del sonido absolutamente narrativo en términos semánticos. En aquel momento yo acababa de estrenar mi primera película como director, pero yo mandaba a todo el mundo a ver su película, incluso a mis productores, y pensaba: incluso a quien no le guste esta película debería lanzarse a por este tío, porque tiene una forma única de hacer las cosas”.
Esa forma única ha llevado a Mira y Cortés a compartir el reto de poner en pie el difícil proyecto de Grand Piano, película protagonizada por Elijah Wood y John Cusack que si bien tiene algunos puntos de contacto con el tipo de cine planteado por Rodrigo Cortés en su película Buried (Enterrado), cuenta con su propia personalidad desde el primer fotograma. Cuando le preguntan cuánto hay del cine de Rodrigo Cortés en Grand Piano, el productor contesta que, como en el caso de las películas de Hitchcock, es “claramente una película del director, dirigida por Eugenio Mira y de Eugenio Mira. Hay una mirada determinada. Lo que de verdad destila la película, es el alma de la voz que ha tomado una serie de decisiones creativas, que en este caso es el director. Si de repente alguien ve esta película y dice: es un tío tocando un piano, y eso es de Rodrigo Cortés aunque él metió al tío en una caja, es como decir que Gravity también es mía. Mi función como productor no es intentar que la película se parezca a lo que yo habría hecho, dado que nada en la película se parece a lo que yo habría hecho, porque tengo en mi cabeza ideas o soluciones diferentes, sino intentar ser útil para que la visión de Eugenio llegue a la pantalla de la forma más eficaz posible”.
Cortés explica su primer contacto con el guión afirmando: “Cuando lo leí me estalló la cabeza, y no por los elementos dramáticos de la historia, sino porque como director me veía obligado a desmenuzar todo ese material y suponer lo que eso significaría desde el punto de vista de la producción. Si tú ves Última llamada, tienes a un tío hablando por teléfono. Te va a interesar lo mismo que en esta película: qué está diciendo a la persona con la que habla, si la tensión se resuelve en algo interesante o no y si el tío se salva o muere. Pero lo que tienes es un tío en una cabina. Aquí lo que tienes es un tío al que le pasa todo eso mientras toca el piano junto con una orquesta en un gran auditorio de Chicago. ¿Qué significa eso? Que cualquier cosa que veas tiene que sincronizarse de una forma muy específica con una música que tiene que tener múltiples funciones. Eso obliga a que previamente había que hacer un trabajo complejo para desmenuzar la película en términos musicales consiguiendo un mapa de carreteras, exacto segundo a segundo que determine la duración de cada uno de los diálogos, las miradas, las reacciones, etcétera. O tienes a un director con un conocimiento muy profundo del lenguaje cinematográfico y muy profundo de la música o es imposible llevarlo adelante. Eugenio es un director que tiene ambas cosas. Fue compositor de la música de sus dos primeras películas, tiene formación musical y fue capaz de hacer ese trabajo matemático para la película”.
La música es junto con la intriga la gran protagonista de Grand Piano, para lo cual ha sido necesario que el compositor Victor Reyes elaborara una partitura para la película siguiendo cuidadosamente las indicaciones derivadas del trabajo previo de Eugenio Mira desarrollado para encajar un guión cuyos referentes musicales eran falsos y hubieron de ser construidos desde cero para sustentar la tensión y el ritmo de las múltiples escenas de suspense que contiene este largometraje.
Tanto el director como el productor demostraron tener mucho juego de cintura para evitar significarse respecto a las declaraciones del ministro de Hacienda Cristóbal Montoro poniendo en duda la calidad del cine español. Eugenio Mira afirmó: “No puedo decir qué es el cine español ni opinar sobre algo que en mi opinión no existe. Grand Piano se exhibe fuera y no se puede decir de dónde viene. Vigalondo acaba de rodar Open Windows también con Elijah Wood, y no sé lo que tenemos en común más que esa característica de ratas en un barco que se hunde. Es curioso porque desde fuera piensan que en España existe una situación en la que toda una generación de jóvenes directores puede hacer las películas que les interesan sin problema, creen que aquí hay una industria potente, aunque en realidad no es así. Yo jamás he pensado en términos industriales, y de repente ya no existen las ayudas, así que para mí de repente he tenido la suerte de asistir a este sueño que es Grand Piano, la oportunidad de ver cumplido este sueño de trabajar con una gente que hace las películas que les gustan, y en España. ¿Quién iba a decir que esto iba a ocurrir en España, cuando eso ya no está ocurriendo ni en Estados Unidos?” Por su parte, Rodrigo Cortés explica: “No tengo nada que decir a ese respecto porque creo que es contraproducente. Ahora mismo hay una percepción del cine español que es ideológica. Lo cual hace cualquier tipo de opinión sea radicalmente irrelevante, para empezar. Y para seguir, cuando intentamos cambiar esa percepción, estamos haciendo el idiota: no conseguimos nada nunca, salvo llorar, y conseguir que los demás te vean como un llorón, algo que es tremendamente contraproducente. Es mucho más fácil cambiar la realidad que cambiar la percepción de la gente. Hace años, cuando éramos adolescentes oíamos hablar de las españoladas, las americanadas, una serie de conceptos que hace mucho tiempo que ya no oímos, no sabemos cómo aparecieron ni cómo desaparecieron. Cuando se habla de cine español se pueden decir cosas como esa de la calidad, y si de repente te gusta una película entonces se dice, bueno, pero es que esa no parece española. De manera que creo que nuestra responsabilidad no es hablar de eso. No hay nada que decir sobre eso. Sólo hacer las cosas que creemos que deben o pueden hacerse. El resto es absolutamente incontrolable, entrar en una guerra ideológica que no es en absoluto competencia nuestra”.
En cuanto a la relación de la película con el espectador y si el público es capaz o no de captar todos los matices de la película, como a los oyentes del concierto de Elijah Wood en el largometraje les cuesta reconocer si toca o no la tecla adecuada en la pieza difícil que cierra su concierto, Eugenio Mira reconoce: “Algo que tengo claro es que llega un momento en que tú no eres responsable de lo que la gente pueda ver en lo que estás haciendo. Si incluyes un chiste esperas que la gente se ría en el momento adecuado y entonces sabes que ha funcionado, pero a un nivel semántico, que es un nivel con el que puedes trabajar, un nivel de artesanía, trucos y resultados. Yo por ejemplo la primera vez que vi Vértigo de Alfred Hitchcock, cuando James Stewart se cruza con Kim Novak pelirroja pensé que era parte de una trampa de los malos que querían torturar al protagonista, y no, era una casualidad. Es la segunda mitad de la película, que nos pinta a James Stewart como un pervertido. David Fincher dice que Vértigo es la primera película sobre un pervertido… No eres responsable de lo que puede llegar a pensar el espectador ante la película. Lo haces lo mejor que puedes, tomas las decisiones que te parecen más adecuadas para contar la historia y no puedes hacer más. El comentario del personaje habla de eso: llega un punto en que tú lo haces lo mejor que puedes, pero no te puedes responsabilizar de la traducción que hace el espectador de la película, y al final, da lo mismo. Hay que aprender a relajarse un poco. La unanimidad a mi no me interesa, y hay directores a los que les gusta que la gente vea diferentes cosas en sus películas”. Frente al mismo tema Rodrigo Cortés tiene claro que: “No debe hacerse cine desde la condescendencia. Hay una forma de hacer cine que es asegurándote de que si hay un niño con siete años con síndrome de Down en la sala entiende perfectamente todo lo que está pasando en la película. Por supuesto que siempre tratas de analizar los mecanismos de percepción del espectador, para intentar que aquello que tú haces les golpee de una forma específica al margen de que les complazca o no. En lo personal no intento cerrar todo para que haya una visión única, sino que de repente me puede interesar mucho dejar ciertos territorios abiertos para que empiecen a generar en el espectador diferentes interpretaciones semánticas, que me parece que forman parte de esa interpretación. En todo caso, si tocas alguna nota mal, lo que esperas es que nadie se dé cuenta. Es tu única protección”.
Miguel Juan Payán
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